40 álbumes imprescindibles para escuchar antes de morir

¿Cuándo fue la última vez que escuchaste un disco antiguo de principio a fin? Desde la muerte del CD, sólo los fetichistas del vinilo parecen hacerlo. En consecuencia, podemos acabar creyendo que tenemos opiniones sólidas sobre discos a los que quizá nunca hemos prestado nuestra atención sincera y sostenida. No quería incluir Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Luego se la puse a mi hijo de nueve años, que no comparte mi bagaje cultural. Al ver cómo le volaba la cabeza, cambié la mía.

Así que… Esta lista está pensada para todos los interesados en ampliar su capacidad de atención auditiva y desafiar de verdad sus ideas preconcebidas. Incluimos clásicos y sorpresas, porque “hacer una lista” también puede significar inclinar la balanza.

La mayoría de nuestros favoritos personales no están aquí, porque hemos intentado elegir los discos que abrieron nuevos caminos más que los que refinaron viejos sonidos. Esperamos que aún puedas sentir la electricidad de la invención en The Beatles’ Revolver , Public Enemy’s It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back y Nas’s Illmatic . Espero que puedas escuchar la influencia de estos álbumes en algunos de tus favoritos. Espero que utilices la sección de comentarios para contarnos qué te ha sorprendido y qué ha confirmado tus sospechas. Pero antes, el antiguo significado inglés de list, o “lyst”: shush and harken. Helen Brown

The Velvet Underground & Nico (1967), The Velvet Underground

Fue Andy Warhol quien quiso que Lou Reed y John Cale dejaran cantar a su nueva y bella amiga Nico con su banda de rock vanguardista. A decir verdad, el mismísimo Victor Frankenstein no podría haber cosido una criatura con partes del cuerpo más desparejadas que este álbum.

Comienza con un glockenspiel infantil y termina con un ensordecedor feedback, ruido y distorsión. La primera pista de la cara uno, “Sunday Morning”, es una balada melancólica digna de una chanteuse cool europea cantada por un huraño de Brooklyn. “Venus in Furs” es un zumbido de bordes dentados sobre un azote sexual no dado a la ligera. I’ll Be Your Mirror” es una canción de amor. “European Son” es rock and roll convertido en onda expansiva sónica. Y eso incluso antes de llegar a la canción sobre la compra y el consumo de heroína que David Bowie escuchó en una prueba de impresión y calificó como “el futuro de la música”. Medio siglo después, todo lo que tienes que hacer es poner electricidad a través de The Velvet Underground & Nico para darte cuenta de que tenía razón. Chris Harvey

I Never Loved a Man the Way I Love You (1967), Aretha Franklin

Cuando Jerry Wexler fichó a la hija de un predicador violento y mujeriego para Atlantic Records, “ la llevó a la iglesia, la sentó al piano y la dejó ser ella misma”. La Reina del Soul se dio a sí misma el mismo espacio. Se la puede escuchar escuchando a la banda, esperando su momento antes de encender su voz para exigir “R-E-S-P-E-C-T”, 50 años antes del movimiento #MeToo. HB

Master of Puppets (1986), Metallica

A pesar de no incluir ningún sencillo, el tercer álbum de Metallica’ a pesar de no incluir ningún single, el tercer álbum de Metallica fue el gran éxito en las radios británicas que estaban buscando. En 1986, publicaron uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos, que abordaba la potencia y la propia naturaleza del control, entremezclando belleza y cruda fealdad humana en temas como “Damage Inc” y “Orion”. Este álbum trata de contar historias; los punteos de guitarra de influencia medieval del primer tema, Battery, deberían bastar para demostrarlo. Aunque ésa fue realmente la única imaginería medieval que evocaron, ya que arrancaron los clichés de Dragones y Mazmorras de las letras y los sustituyeron por el apocalipsis, con el bajista Cliff Burton, el batería y el guitarrista.Lars Ulrich, el guitarrista Kirk Hammett y el cantante y guitarrista rítmico James Hetfield como los cuatro jinetes. Roisin O’Connor

Remain in Light (1980), Talking Heads

“ Facts are simple and facts are straight / Facts are lazy and facts are late…” cantaba David Byrne, sumergiendo ansiedades personales y planetarias sobre las noticias falsas y el consumo conspicuo en densas capas y bucles de funk deudor del afrobeat. Los polirritmos propulsivos se contraponen a las súplicas líricas para que nos detengamos y hagamos balance. Como siempre. HB

Catch a Fire (versión jamaicana) (1973), Bob Marley and the Wailers

El álbum que llevó la música reggae a todos los rincones del mundo y convirtió a Bob Marley en una superestrella internacional también marcó la pauta política para muchos artistas posteriores. Marley cantó a la vida “donde más duro es vivir” en “Concrete Jungle” y echó la vista atrás hacia el innoble pasado esclavista de Jamaica “No chains around my feet but I’m not free”. El álbum está repleto de bellos temas melódicos, como “High Tide and Low Tide”, y rítmicos temas de baile, como “Kinky Reggae”. Editada fuera de Jamaica por Island Records con sobregrabaciones de guitarra y adornos, la versión original jamaicana es una obra maestra despojada. CH

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Revolver (1966), The Beatles

Durante 220 horas de experimentación en el estudio, George Martin y los Beatles pusieron en bucle, aceleraron, ralentizaron y rebobinaron cintas para crear un nuevo sonido increíblemente triposo. El lúgubre enigma de “For No One”, de McCartney, y la psicodelia de “Tomorrow Never Knows” y “She Said, She Said”, de Lennon, aún pueden dejarte hipnotizado sobre el vinilo giratorio, preguntándote si la música sale o vuelve a entrar. HB

Like a Prayer (1989), Madonna

Puede que sea el álbum más “ Sin embargo, Like a Prayer es también la Madonna más accesible, sin rodeos en temas que van desde la religión hasta la disolución de su matrimonio. En 1989, su vida personal era pasto de los tabloides: su tumultuoso matrimonio con el actor Sean Penn acabó en divorcio, y ella causaba controversia con el vídeo “Like a Prayer” y sus cruces en llamas.

En el abandono gospel de la canción que da título al disco, deja al oyente sin aliento por su ambición. Mientras que sus discos anteriores reflejaban la música moderna que la influía, en Like a Prayer rindió homenaje a grupos como Sly & the Family Stone y Simon & Garfunkel. El álbum también trataba de una artista que tomaba las riendas de su propia narrativa, después de publicar discos en los que pedía al público y a la prensa que la quisieran. RO

Led Zeppelin IV (1971), Led Zeppelin

Los millennials que lleguen a este álbum pueden acabar sintiéndose como el tipo que vio Hamlet y se quejó de que todo eran citas. Los riffs monstruosos de Jimmy Page y los lamentos hedonistas de Robert Plant establecieron el punto de referencia para todo el rock pesado y hedonista posterior. Pero merece la pena escucharlo entero para experimentar todo su ritual místico y monolítico. ¿Escalera? Innegable. HB

The Best of the Shangri-Las (1996), The Shangri-Las

Oh no. Oh no. Oh, no, no, no, no, nadie ha hecho nunca un desamor adolescente como las Shangri-Las. Mucho antes de que las Spice Girls empaquetaran la actitud para el consumo popular, la compositora Ellie Greenwich tenía problemas con un grupo de adolescentes que habíancrecido en una parte dura de Queens” “con sus gestos, y su lenguaje, y mascando el chicle y las medias rasgadas por las piernas”. Pero las Shangri-Las cantaban con un ardor tan callejero, apasionado y crudo que aún perdura a lo largo de más de medio siglo sin perder un ápice de su fuerza. Puede que Leader of the Pack (coescrita por Greenwich) sea su canción más conocida, pero nunca fueron una novedad. Esta recopilación les muestra en su apogeo de principios de los sesenta. CH

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), David Bowie

Extravagancia, exceso, excentricidad – este es el álbum que afirmó a Bowie como el nuevo icono del glam rock. Puede que haya llegado a lamentar su personaje de Ziggy Stardust, pero con él, Bowie trascendió a los artistas que buscaban la autenticidad a través de medios más mundanos. Fue su álbum más ambicioso, musical y temáticamente, que, al igual que Prince, le permitió aunar los puntos fuertes de sus trabajos anteriores y crear uno de los grandes discos de rock and roll sin perder el sentido del humor ni el deseo de seguir divirtiendo a sus fans. “Mi objetivo es divertir, no sólo subirme al escenario y tocar unas cuantas canciones”, declaró. “Soy la última persona que pretende ser una radio. Prefiero ser un televisor en color. ” RO

Unknown Pleasures (1979), Joy Division

En su breve carrera, acabada con el suicidio de Ian Curtis, cantante de 23 años, Joy Division creó dos candidatos al mejor álbum de la historia. Closer puede ser su florecimiento final, pero Unknown Pleasures es más consistente tonalmente, totalmente diferente a todo lo anterior o posterior. El ambiente es de una oscuridad negra como la tinta que lo impregna todo, pero hay una fuerza espiritual que emana de los surcos que está tan lejos del pop o del rock que parece casi dostoievskiana. Hay canciones clásicas como “Disorder”, “She’s Lost Control” y “New Dawn Fades” y para aquellos que cambiarían cada nota que Eric Clapton haya tocado por una de las líneas de bajo de Peter Hook, la secuencia del minuto 4:20 de “I Remember Nothing” es quizás el momento más emocionante de todo el catálogo de Joy Division. CH

Hejira (1976), Joni Mitchell

Aunque su álbum de 1971 Blue suele ser el elegido para este tipo de listas, Mitchell superó su folk plateado y desgarrado cinco años después con un disco en el que cuestionaba con confianza sus expectativas culturalmente condicionadas sobre la feminidad. Sobre un paisaje ambiguo y jazzístico, su voz, cada vez más profunda y difícil, sopesa el romanticismo y la domesticidad frente a la aventura de “extrañas almohadas” y la soledad. HB

Body Talk (2010), Robyn

La respuesta a si Robyn podría seguir la brillantez de su álbum homónimo de 2005 llegó en una ráfaga de lanzamientos en 2010, los EPs Body Talk Pt 1, Pt 2 y Pt 3 , y este esfuerzo de 15 pistas, esencialmente un álbum recopilatorio. Incluye diferentes versiones de algunos temas, como la versión no acústica de “Hang With Me” (sobre la que podemos discutir toda la noche), pero deja en paz al mejor tema de baile electrónico desde “I Feel Love”, “Dancing On My Own”. Body Talk está repleto de grandes canciones. CH

Off the Wall (1979), Michael Jackson

“ I will study and look back on the whole world of entertainment and perfect it,” escribió Jackson cuando cumplió 21 años y se deshizo de su imagen de estrella infantil mona y controlada para lanzar su jubiloso cuarto álbum en solitario. Producido por Quincy Jones, el sofisticado disco funk logra el equilibrio entre los ritmos ajustados y la euforia liberada. La magia de las bolas de purpurina. HB

Illmatic (1994), Nas

¿Qué tan bueno puede llegar a ser el rap? Así de bueno. Hay álbumes en los que el mito puede trascender a la música – no en Illmatic, donde Nas se aupó a las filas de los más grandes MCs en 1994, con un álbum que innumerables artistas desde entonces han intentado – y fracasado – emular. Contratar a los mejores productores del momento (Pete Rock, DJ Premier, Q-Tip, LES y Large Professor) fue un movimiento al que Complex culpó de “arruinar el hip hop”, aunque alabó el disco de Nas, porque tuvo un impacto duradero en el uso de múltiples productores en los álbumes de rap.

Nas utilizó los sonidos de las densamente pobladas calles neoyorquinas en las que creció para describir vívidamente esa vida en su música. Se oye el traqueteo del tren de acero que abre el disco, junto con la cinta de casete que sisea el verso de un Nasty Nas adolescente en el tema “Live at the BBQ” de Main Source, de 1991: “Cuando tenía 12 años, fui al infierno por apagar a Jesús. ” RO

Trans-Europe Express (1977), Kraftwerk

Este es el álbum que lo cambia todo. Los sonidos sintetizados que salen de los estudios Kling-Klang de Kraftwerk’ya se habían vuelto puros y bellos en Radio-Activity de 1975, pero en Trans-Europe Express, su sofisticación desplaza sutilmente todas las posibilidades futuras. La calidad familiar de la dulzura humana y la melancolía en la voz de Ralf Hutter se subsume en la máquina a medida que los ritmos se entrelazan y florecen en la segunda cara, una minisinfonía que comienza con la canción que da título al disco. Publicado cuatro meses antes que el I Feel Love de Giorgio Moroder, Trans-Europe Express influyó en todo, desde el hip-hop hasta el techno. Toda la música electrónica de baile empieza aquí. CH

Kind of Blue (1959), Miles Davis

Con los esbozos de melodía sólo escritos horas antes de la grabación, el disco de jazz más vendido del mundo’ s best-selling jazz record still feels spontaneous and unpredictable. El amigo de Davis’George Russell explicó una vez que el secreto de su jazz tonal consistía en utilizar todas las notas de una escala “sin tener que cumplir el plazo de un acorde concreto”. Kind of Blue es irrepetiblemente genial. HB

Astral Weeks (1968), Van Morrison

“ If I ventured in the slipstream, between the viaducts of your dream…” Entrar en esta catedral musical, donde se dan cita el folk, el jazz y el blue-eyed soul es siempre sentir una sensación de sobrecogimiento. Grabado en sólo dos sesiones de ocho horas, en las que Morrison primero tocó las canciones a los músicos reunidos y luego les dijo que hicieran lo suyo, Astral Weeks sigue pareciendo hecho ayer. Las letras inconscientes de Morrison y la riqueza del entorno acústico -contrabajo, guitarra clásica y flauta- hacen de este álbum uno de los más emotivos del rock y el pop . CH

Banda sonora de West Side Story (1961)

“ Life is all right in America / If you’re all white in America” gritan los inmigrantes en este apasionado y político musical que traslada Romeo y Julieta al Nueva York de los años cincuenta. La sofisticada partitura de Leonard Bernstein’es un crisol de música pop, clásica y latina; las letras de Stephen Sondheim’afiladas como un cuchillo de cocina. Una plegaria sin respuesta por unos Estados Unidos unidos y clementes. HB

Sign o’ the Times (1987), Prince

Sign o’ the Times es la obra magna de Prince dentro de un catálogo de obras maestras; un álbum doble que abarca funk, rock, R&B y, sobre todo, soul. Es la mayor articulación de suexperimentos alquímicos con la fusión musical – la suma de varios proyectos en los que Prince estuvo trabajando durante su año más fructífero creativamente. En Sign o’ the Times , el bajo es el rey – Prince ya había cimentado su estatus de dios de la guitarra en Purple Rain . Hay temas que destilan sexo y canciones de amor como Adore, que sigue siendo una de las mejores de todos los tiempos. Cosido con sumo cuidado, como si escribiera una obra de teatro con principio, nudo y desenlace, el álbum es un hito del pop y del arte. RO

Pet Sounds (1966), The Beach Boys

Atrapados en la resaca psicológica de un trauma familiar y todas esas canciones de surf comercial, Brian Wilson, de 23 años, tuvo un ataque de pánico y se retiró al estudio para escribir esta serie de canciones oníricas cuya estructura las llevó mucho más allá de las fórmulas pretenciosas de las gramolas de droguería. Las notas de los vibráfonos y las latas de Coca-Cola brillan en las extrañas y tristes olas de melodía agridulce. HB

Ys (2006), Joanna Newsom

Weave a circle round her thrice… Algunos tachan a Joanna Newsom de chiflada, pero su segundo álbum, antes de que eliminara la cualidad infantil de su voz, puede que sea el disco más encantador jamás grabado. A veces, parece de otro mundo, sentada ante su arpa, cantando para sí misma sobre el sasafrás y Sísifo, pero luego una frase te transporta de repente a las profundidades del corazón; “Still, my dear, I’d have walked you to the edge of the water”.

Ys ’s placeres no son simples ni inmediatos. Las inusuales estructuras de las canciones de Newsom, con sus melodías fragmentadas, y los extraños y bellos arreglos orquestales de Van Dyke Parks, de 63 años, tardan en hacer su magia. Pero una vez embrujado, Ys ’el hechizo nunca desaparece. CH

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988), Public Enemy

Public Enemy’ El segundo álbum de Public Enemy es el momento decisivo del hip-hop, en el que una nueva forma musical que había nacido tras años de desarrollo lejos de intrusos encontró su voz radical. It Takes a Nation of Millions… sigue siendo uno de los álbumes más poderosos y provocadores jamás realizados, “Aquí hay una tierra a la que nunca le importó un bledo / un hermano como yo,” rapea Chuck D en “Black Steel in the Hour of Chaos”. El productor Hank Shocklee crea un sonido duro a partir de samples que rinden homenaje a grandes del soul como James Brown e Isaac Hayes, y Flavor Flav le da un inconfundible entusiasmo. CH

Dark Side of the Moon (1973), Pink Floyd

It’ Es fácil criticar a estos proggers blancos, masculinos y de clase media, con su nave espacial llena de tecnología y sus ambiciones monolíticas. Pero los tambores machacones, los aullidos operísticos y la tranquila desesperación de este álbum conceptual sobre las diversas formas de locura siguen resonando en las partes desequilibradas, abrumadas y alienadas de todos nosotros. Póngalo a todo volumen, a solas y cuando oscurezca. HB

The Miseducation of Lauryn Hill (1998), Lauryn Hill

Lauryn Hill elevó el nivel de todo un género con este inmenso y rompedor trabajo. La ex integrante de los Fugees, que oscilaba entre dos tonos -agudo y frío, y sensual y ahumado-, se desmarcó del status quo misógino del rap y atrajo a un público ajeno al hip hop gracias a su fusión de soul, reggae y R&B, y al reclutamiento de artistas de la talla de Mary J Blige y D’Angelo.

Su atractivo sonoro tiene mucho que ver con la producción lo-fi y la cálida instrumentación, a menudo compuesta por un bajo grave, cajas tensas y armonías doo-wop. Pero las influencias reggae de Hill son las que impulsan el espíritu del álbum: predicar el amor y la paz, pero también alzar la voz contra la opresión injusta. Aún hoy, es uno de los discos más populares de la historia.discos edificantes e inspiradores alrededor. RO

Histoire de Melody Nelson (1971), Serge Gainsbourg

El gran provocador cantautor francés probablemente no..; Probablemente, el gran cantautor provocador francés no tendría demasiados seguidores hoy en día para un álbum conceptual sobre el tierno amor entre él y una adolescente a la que atropella con su Rolls-Royce. Pero, musicalmente, este álbum de culto es sublime, una extraordinaria colisión de bajos funk, letras habladas y celestiales arreglos de cuerda de Jean-Claude Vannier. “Ballade de Melody Nelson”, cantada por Gainsbourg y Jane Birkin, es una de sus canciones más sublimemente hermosas. CH

In My Own Time (1971), Karen Dalton

There’ s nada artificioso en la habilidad de Karen Dalton para sacar las tripas de canciones familiares y darles un giro folk-blues seco y agrietado. Ampliar los límites emocionales y narrativos de canciones como When a Man Loves a Woman, de Percy Sledge, es justo lo que ha hecho. ¿Por qué el mundo ha tardado tanto en apreciarla? HB

Let England Shake (2011), PJ Harvey

“Malditos europeos, llevadme de vuelta a la bella Inglaterra. ”PJ Harvey puede haber sonado como si estuviera canalizando a Boris y Nige cuando hizo este llamativo álbum en 2015, pero pocos Brexiteers querrían hacer este viaje con ella. Let England Shake cava profundamente en el suelo de la tierra, donde las rejas de arado enterradas yacen a la espera de ser convertidas en espadas. La muerte está en todas partes, a veces en su forma más visceral: “I’ve soldados caer como trozos de carne,” canta en “The Words That Maketh Murder” “Los brazos y las piernas están en los árboles. Musicalmente, sin embargo, es deslumbrante: Harvey emplea autoarpa, cítara, piano Rhodes, xilófono y trombón para crear un sonido folk futurista sorprendentemente original que casi podría ser de un siglo anterior. CH

Boy in da Corner (2003), Dizzee Rascal

It’ Es asombroso volver a escuchar este álbum y recordar que Dizzee sólo tenía 18 años cuando lo publicó. El MC Dylan Mills, nacido en Londres y miembro de la banda Roll Deep, se introdujo en el mundo de la producción tras haber sido excluido de todas sus clases, excepto de música.

Si quieres hacerte una idea de lo adelantado que estaba Dizzee, solo tienes que escuchar el tema de apertura “Sittin’ Here”. Mientras que 2018 ha sufrido una avalancha de singles mediocres que juegan con la nostalgia del oyente por tiempos más sencillos, hace 15 años Dizzee añoraba la inocencia de la infancia por lo que veía en el presente: embarazos adolescentes, brutalidad policial, sus amigos asesinados en las calles o perdidos en un estilo de vida de crimen y dinero en efectivo. Boy in da Corner se apoya en ritmos fríos e incómodamente inconexos, sintetizadores que emulan los juegos arcade y las sirenas de la policía, y el propio Dizzee lanzando barras con su característico graznido agudo. RO

Hounds of Love (1985), Kate Bush

Kate Bush’ La obra maestra autoproducida de Kate Bush explora la gama extrema de sus emociones oceánicas desde el aislamiento de un estudio de vanguardia construido en el jardín de su granja del siglo XVII. La vulnerabilidad humana de su voz y de los instrumentos tradicionales recibe una carga eléctrica gracias a su uso pionero de los sintetizadores. Emocionante y envolvente. HB

Blue Lines (1991), Massive Attack

Una visión exclusivamente británica del hip hop y el soul que sigue influyendo en géneros modernos en auge como el grime y el dubstep.dio un nuevo y fresco pulso a la arenilla y el gris de la nación. Puedes oler los ceniceros en las mesas de los restaurantes grasientos en el susurro de Tricky’y sentir la lluvia en tu cara en las estimulantes improvisaciones de Shara Nelson&rsquo. HB

Surfer Rosa (1987), Pixies

Sólo hacen falta 20 segundos del tema de apertura “ Bone Machine” para darse cuenta de que Pixies y el productor Steve Albini han desnudado el sonido del rock’n’roll y lo han reconstruido pieza a pieza. El golpe furioso de la batería de Led Zep, el bajo maduro y la guitarra de chapa directamente salida de la cadena de producción de los Stooges’ de Detroit se separan y se recombinan. El sonido de Pixies ya está completo antes de que Black Francis se embarque en una de sus escurridizas narraciones de culto pop (“Your bone’s got a little machine”). La tensión entre el salvajismo de su voz y el tono melódico más suave de Kim Deal no alcanzará su equilibrio perfecto hasta su próximo álbum, pero su debut (de larga duración), Surfer Rosa es gigantesco y merece un gran, gran amor. Su tectónica “ruidosa, tranquila, ruidosa” resultaría tan influyente que Kurt Cobain de Nirvana’diría más tarde que “básicamente intentaba copiar a los Pixies”. CH

Talking Timbuktu (1994), Ali Farka Toure y Ry Cooder

Si alguna vez duda de la posibilidad de una conversación relajada y respetuosa a través de las divisiones culturales del mundo’ s cultural divisions, entonces regálate una hora con esta asombrosa colaboración entre el maliense Ali Farka Toure (autor de todos los temas menos uno) y el californiano Ry Cooder (cuya guitarra slide los recorre como un peregrino). El desierto se une al Delta Blues. HB

The Great Gospel Men (1993), Various artists

Comparada con el blues, la incalculable influencia de la música gospel en el pop, el soul y el rock’ n’roll ha sido subestimada. Se puede encontrar en cada canción de esta brillante recopilación de 27 temas. Si no oyes a James Brown en el primer tema, “Move on Up a Little Higher”, de Brother Joe May, es que no has escuchado lo suficiente.

El camino a la Motown desde “Lord, Lord, Lord” de Professor Alex Bradford es estrecho, pero se puede tomar un desvío y seguir sus extasiados gritos hasta Little Richard, que los tomó prestados, y hasta los Beatles, que los copiaron de él. Los cambios de acordes en picado de James Cleveland “My Soul Looks Back” son magníficos. Todas las voces insustituibles del soul, de Aretha Franklin a Bobby Womack, estaban impregnadas de gospel. Éste es un gran lugar para escuchar de dónde proceden. El álbum complementario The Great Gospel Women también es una maravilla. CH

Hopelessness (2016), Anonhi

“ Gran parte de la escena musical no es más que un club de chicos pajilleros y autocomplacientes,” dijo esta artista transgénero de voz angelical en 2012. Cuatro años más tarde, los tambores sísmicos y la radical agenda ecofeminista de Hopelessness hicieron temblar los desmoronados cimientos de ese club. Los horrores de la guerra con aviones no tripulados, la pedofilia y el calentamiento global se exponen a las luces brillantes con una rabia desconcertantemente bella. HB

In Utero (1993), Nirvana

Kurt Cobain tenía un objetivo con In Utero : alejar a Nirvana de lo que él llamaba el sonido “candy-ass” de Nevermind – el álbum que los había convertido en una de las bandas de rock más grandes del planeta – y llevarlos de vuelta al punk rock. Pidió al productor de Pixies, Steve Albini, que supervisara la producción.

No fue precisamente un éxito comercial desde su lanzamiento ( In Utero llegó a vender 15 millones de copias en todo el mundo), pero la pesadez que sintió la banda al grabarlo cala en el oyente desde el primer tema. Desanimado por la obsesión de los medios de comunicación con su vida personal y los fans que claman por la misma mierda de siempre, In Utero espura rabia sin diluir. Perfume: Story of a Murderer y lo utiliza como metáfora de su repugnancia hacia la industria musical y la prensa. RO

Curtis (1971), Curtis Mayfield

Curtis Mayfield había estado hilando música soul dorada de raíces doo-wop con The Impressions durante más de una década antes de publicar su primer álbum en solitario, que contiene algunas de sus mejores canciones. Aunque algunos señalan la banda sonora Blaxploitation Superfly de 1972 como el álbum definitivo de Mayfield, Curtis es más profundo y alegre, y sus complejos arreglos son magistrales. El dulce falsete de Mayfield canta las insípidas garantías de Nixon sobre el bajo fuzz de “(Don’t Worry) If There Is a Hell Below We’re All Going”; Las lúgubres trompas dan a la conciencia política de “We the People Who Are Darker Than Blue” una profunda carga emocional; “Move On Up” es sencillamente una de las canciones más estimulantes del pop. Pasar tiempo con Curtis es estar en presencia de un alma hermosa. CH

Rumours (1977), Fleetwood Mac

Antes de seguir su propio camino, Fleetwood Mac decidió contar una historia que sería la marca por excelencia de la cultura rock estadounidense de los setenta.

Mientras Lindsey Buckingham y Stevie Nicks se arrojaban los restos carbonizados de su relación en “Dreams” y “Go Your Own Way”; el resto de la banda conjuró las cálidas armonías de la Costa Oeste, las relajadas vibraciones californianas de la sección rítmica y los claros agudos de “Gold Dust Woman”, de tal manera que Rumours se convertiría en el sonido definitivo de la época. En el momento de su publicación, fue el LP que más rápido se vendió de todos los tiempos; su éxito convirtió a Fleetwood Mac en un fenómeno cultural. RO

Are You Experienced? (1967), The Jimi Hendrix Experience

Prácticamente un desconocido para los aficionados al rock apenas un año antes, Hendrix utilizó Are You Experienced? para reafirmarse como un genio de la guitarra capaz de combinar pop, blues, rock, R&B, funk y psicodelia como ningún otro artista lo había hecho antes. Eso incluso sin las contribuciones esenciales del batería Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, que aportaron a Are You Experienced? el puente rítmico entre el jazz y el rock.

Pocas aperturas de álbum son tan exquisitas como “Purple Haze”. Pocos temas son tan gratificantes, tan sexys, como el puntal de “Foxy Lady”. Y pocas canciones se acercan al éxtasis existencial que provoca “The Wind Cries Mary”. El ataque de Hendrix a la guitarra contrastaba con los virtuosos más pulidos del rock de la época; sin embargo, es su cruda ferocidad a la que volvemos. Pocos debuts han cambiado el curso de la música rock como lo hizo Hendrix con el suyo. RO

We Are Family (1979), Sister Sledge

Disco’ La gloria suprema de la música disco es este álbum que Chic’s Nile Rodgers y Bernard Edwards grabaron con Kathy Sledge y sus hermanas Debbie, Joni y Kim. Nile y ’Nard estaban en la cima de sus poderes, canciones clásicas brotaban de ellos – We Are Family fue lanzado el mismo año que el epocal “ Good Times” de Chic – y este álbum contiene cuatro de ellas, “Lost in Music”, “He’s the Greatest Dancer”, “Thinking of You” y la propia canción que da título al álbum. Sister Sledge le dio a Rodgers la oportunidad de trabajar con voces más cálidas y guturales que las voces frías que utilizaba para dar a los discos de Chic un estilo tan relajado, y el resultado es una fiesta de baile que llena la pista, salpicada de baladas suaves. CH

Este artículo fue publicado originalmente en noviembre de 2020