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Wuando fue la última vez que escuchó un disco antiguo de principio a fin? Desde la muerte del CD, sólo los fetichistas del vinilo parecen hacerlo. En consecuencia, podemos acabar creyendo que tenemos opiniones sólidas sobre discos a los que quizá nunca hayamos prestado una atención honesta y sostenida. No quería incluir el disco de Pink Floyd Dark Side of the Moon. Luego se la puse a mi hijo de nueve años, que no comparte mi bagaje cultural. Al ver que le volaba la cabeza, cambié la mía.
Así que. Esta lista está pensada para cualquier persona interesada en ampliar su capacidad de atención auditiva y desafiar de verdad sus ideas preconcebidas. Hemos incluido clásicos y bolas de nieve, porque “hacer una lista” también puede significar inclinarse.
La mayoría de nuestros favoritos no están aquí, porque hemos tratado de elegir los discos que abrieron nuevos caminos en lugar de los que refinaron viejos sonidos. Esperemos que aún se pueda sentir la electricidad de la invención en los discos de los Beatles Revolver, Public Enemy’s It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back y Nas Illmatic. Esperemos que puedas escuchar la influencia de estos álbumes en algunos de tus propios favoritos. Espero que utilices la sección de comentarios para contarnos qué te ha sorprendido y qué ha confirmado tus sospechas. Pero primero, el antiguo significado en inglés de list, o “lyst”: shush and harken. Helen Brown
The Velvet Underground & Nico (1967), The Velvet Underground
Fue Andy Warhol quien quiso que Lou Reed y John Cale dejaran cantar a su nueva y bella amiga Nico con su banda de rock vanguardista. Pero la verdad es que ni el mismísimo Victor Frankenstein podría haber cosido una criatura con partes del cuerpo más desparejadas que este álbum.
Comienza con el glockenspiel de un niño y termina con una retroalimentación, ruido y distorsión ensordecedores. La primera cara, “Sunday Morning”, es una balada melancólica digna de una chanteuse europea cantada por un huraño de Brooklyn. “Venus in Furs” es un zumbido de punta sobre una paliza sexual que no se da a la ligera. “I’ll Be Your Mirror” es una canción de amor. “European Son” es un rock’n’roll convertido en una onda de choque sónica. Eso es antes de llegar a la canción sobre la compra y el consumo de heroína que David Bowie escuchó en una prueba de impresión y llamó “el futuro de la música”. Medio siglo después, todo lo que tienes que hacer es poner electricidad a través deThe Velvet Underground & Nico para darse cuenta de que tenía razón. Chris Harvey
Nunca amé a un hombre como te amo a ti (1967), Aretha Franklin
Cuando Jerry Wexler fichó a la hija de un predicador violento y mujeriego para Atlantic Records, “la llevó a la iglesia, la sentó al piano y la dejó ser ella misma”. La Reina del Soul se dio a sí misma el mismo espacio. Se la puede escuchar escuchando a la banda, esperando su momento antes de encender su voz para exigir “R-E-S-P-E-C-T”, 50 años antes del movimiento #MeToo. HB
Master of Puppets (1986), Metallica
A pesar de no contar con ningún sencillo, el tercer álbum de Metallica fue el avance en las radios de rock del Reino Unido que habían estado buscando. En 1986, publicaron uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos, que trataba sobre la potencia y la propia naturaleza del control, mezclando la belleza y la cruda fealdad humana en temas como “Damage Inc” y “Orion”. Este disco trata de contar historias, y los punteos de guitarra de influencia medieval del primer tema, “Battery”, deberían bastar para decirlo. Aunque esa fue la única imagen medieval que conjuraron: arrancaron los clichés de Dungeons & Dragons de las letras y los sustituyeron por el apocalipsis, con el bajista Cliff Burton, el batería Lars Ulrich, el guitarrista Kirk Hammett y el cantante y guitarrista rítmico James Hetfield como los cuatro jinetes. Roisin O’Connor
Remain in Light (1980), Talking Heads
“Los hechos son simples y los hechos son rectos / Los hechos son perezosos y los hechos son tardíos…” cantaba David Byrne, sumergiendo las ansiedades personales y planetarias sobre las noticias falsas y el consumo conspicuo en densas capas y bucles de funk deudor del afrobeat. Los polirrítmicos propulsores se oponen a las súplicas líricas para que nos detengamos y hagamos balance. Como siempre. HB
Catch a Fire (versión jamaicana) (1973), Bob Marley and the Wailers
El álbum que llevó la música reggae a todos los rincones del mundo y convirtió a Bob Marley en una superestrella internacional también marcó la pauta política de muchos artistas. Marley cantó a la vida “donde la vida es más dura” en”Concrete Jungle” y se remontó al innoble pasado esclavista de Jamaica: “No hay cadenas alrededor de mis pies, pero no soy libre”. El álbum está repleto de hermosos números melódicos, como “High Tide and Low Tide”, y de rítmicos temas de baile, como “Kinky Reggae”. Publicada fuera de Jamaica por Island Records con sobregrabaciones de guitarra y adornos, la versión original jamaicana es una obra maestra despojada. CH
Revolver (1966), Los Beatles
Durante 220 horas de experimentación en el estudio, George Martin y los Beatles hicieron un bucle, aceleraron, ralentizaron y retrocedieron las cintas para crear un nuevo sonido increíblemente triposo. El lúgubre enigma de “For No One” de McCartney y la psicodelia de “Tomorrow Never Knows” y “She Said, She Said” de Lennon todavía pueden dejarte hipnotizado sobre el vinilo que gira, preguntándote si la música sale o es absorbida. HB
Like a Prayer (1989), Madonna
Puede que sea el álbum más “serio” que haya hecho, pero Like a Prayer es también la versión más accesible de Madonna, que no se anda con rodeos en temas como la religión o la disolución de su matrimonio. En 1989, su vida personal era carne de tabloide: su tumultuoso matrimonio con el actor Sean Penn acabó en divorcio, y ella causó controversia con el vídeo de “Like a Prayer” y sus cruces en llamas.
En el abandono evangélico de la canción que da título al disco, deja sin aliento al oyente con su enorme ambición. Sus discos anteriores eran un reflejo de la música moderna que la influenciaba, Like a Prayer le rinde homenaje a grupos como Sly & the Family Stone y Simon & Garfunkel. El álbum también trataba de una artista que tomaba las riendas de su propia narrativa, después de publicar discos que pedían al público -y a la prensa- que le gustaran. RO
Led Zeppelin IV (1971), Led Zeppelin
Los millennials que lleguen a este álbum pueden acabar sintiéndose como el tipo que vio Hamlet y se quejó de que todo eran citas. Los riffs de Jimmy Page y los lamentos hedonistas de Robert Plant marcaron la pauta de todo el rock pesado y hedonista posterior. Pero vale la pena tocarlo entero para experimentar todo el ritual místico y monolítico de la cosa. ¿Escalera? Incontestable. HB
Lo mejor de las Shangri-Las (1996), Los Shangri-Las
Oh no. Oh no. Oh, no, no, no, no, nadie hizo nunca un desamor adolescente como las Shangri-Las. Mucho antes de que las Spice Girls empaquetasen la actitud para el consumo popular, la compositora Ellie Greenwich tenía problemas con un grupo de adolescentes que habían crecido en una parte dura de Queens – “con sus gestos, y su lenguaje, y masticando el chicle y las medias rasgadas en las piernas”. Pero las Shangri-Las cantaban con un ardor tan callejero, apasionado y crudo que todavía llega a través de más de medio siglo sin perder nada de su poder. Puede que “Leader of the Pack” (coescrita por Greenwich) sea su canción más conocida, pero nunca fueron un acto novedoso. Esta compilación los captura en su apogeo de principios de los sesenta. CH
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), David Bowie
Flamboyancia, exceso, excentricidad: este es el álbum que afirmó a Bowie como el nuevo icono del glam rock. Puede que haya llegado a lamentar su personaje de Ziggy Stardust, pero con él, Bowie trascendió a los artistas que buscaban la autenticidad por medios más mundanos. Fue su álbum más ambicioso -musical y temáticamente- que, al igual que Prince, le vio unir sus mayores fortalezas de trabajos anteriores y lograr uno de los grandes discos de rock and roll sin perder su sentido del humor, ni el deseo de seguir entreteniendo a sus fans. “Mi objetivo es entretener, no sólo subirme al escenario y tocar unas cuantas canciones”, declaró. “Soy la última persona que pretende ser una radio. Prefiero salir y ser un televisor en color”. RO
Placeres desconocidos (1979), Joy Division
En su breve carrera, terminada por el suicidio de Ian Curtis, cantante de 23 años, Joy Division creó dos candidatos al mejor álbum de la historia. Closer puede ser un florecimiento final, pero Placeres desconocidos es más consistente tonalmente, totalmente diferente a todo lo anterior o posterior. El estado de ánimo es de una oscuridad negra como la tinta, pero hay una fuerza espiritual que sale de los surcos que está tan lejos del pop o del rock, que parece casi dostoievskiana. Hay canciones clásicas – “Disorder”, “She’s Lost Control” y “New Dawn Fades”- y para los que cambiarían cada nota EricClapton alguna vez tocó para una de las líneas de bajo de Peter Hook, la secuencia de 4:20 en “I Remember Nothing” es quizás el momento más emocionante de todo el catálogo de Joy Division. CH
Hejira (1976), Joni Mitchell
Aunque su álbum de 1971 Azul suele ser el elegido para este tipo de listas, Mitchell superó su folk plateado y desgarrado cinco años después con un disco que la encontró cuestionando con confianza sus expectativas culturalmente condicionadas sobre la feminidad. Sobre un paisaje ambiguo y jazzístico, su voz, cada vez más profunda y difícil, sopesa el romance y la domesticidad frente a la aventura de las “almohadas extrañas” y la soledad. HB
Hablar del cuerpo (2010), Robyn
La respuesta a la pregunta de si Robyn podría seguir la brillantez de su álbum autotitulado de 2005 llegó con una ráfaga de lanzamientos en 2010, los EP Body Talk Pt 1, Pt 2 y Pt 3y este disco de 15 canciones, que es esencialmente un álbum recopilatorio. Incluye diferentes versiones de algunos temas, como la versión no acústica de “Hang With Me” (sobre la que podemos discutir toda la noche), pero deja en paz al mejor tema electrónico de baile desde “I Feel Love”, “Dancing On My Own”. Body Talk está simplemente repleto de grandes canciones. CH
Off the Wall (1979), Michael Jackson
“Estudiaré y miraré hacia atrás en todo el mundo del entretenimiento y lo perfeccionaré”, escribió Jackson cuando cumplió 21 años y se desprendió de su imagen de estrella infantil bonita y controlada para lanzar su jubiloso cuarto álbum en solitario. Producido por Quincy Jones, el sofisticado disco funk logra el equilibrio entre los ritmos ajustados y la euforia liberada. La magia de la bola de brillo. HB
Illmatic (1994), Nas
¿Qué tan bueno puede ser el rap? Así de bueno. Hay álbumes en los que el mito puede trascender la música – no en Illmatic, en el que Nas se situó entre los más grandes MCs en 1994, con un álbum que innumerables artistas han tratado de emular, sin conseguirlo. La contratación de los mejores productores del momento -Pete Rock, DJ Premier, Q-Tip, LES y Large Professor- fue un movimiento que Complejo culpó de “arruinar el hip hop”, sin dejar de alabar el disco de Nas, porque tuvo un impacto duradero en el uso de múltiples productores en los álbumes de rap.
Nas utilizó los sonidos de las densamente pobladas calles de Nueva York en las que creció para representar vívidamente esa vida en su música. Se oye el traqueteo del tren de acero que abre el disco, junto con la cinta de casete que sisea el verso de un Nasty Nas adolescente en el tema de 1991 de Main Source “Live at the BBQ”: ‘Cuando tenía 12 años, me fui al infierno por haberme cargado a Jesús'”. RO
Trans-Europe Express (1977), Kraftwerk
Este es el álbum que lo cambia todo. Los sonidos sintetizados que salían de los estudios Kling-Klang de Kraftwerk ya eran puros y bellos en el álbum de 1975 Radio-Activitypero en Trans-Europe Express, su sofisticación desplaza sutilmente todas las posibilidades futuras. La calidad familiar de la dulzura y la melancolía humanas en la voz de Ralf Hutter se subsume en la máquina a medida que los ritmos se entrelazan y florecen en la minisinfonía de la segunda cara, que comienza con el tema principal. Publicado cuatro meses antes de “I Feel Love” de Giorgio Moroder, Trans-Europe Express influyó en todo, desde el hip-hop hasta el techno. Toda la música electrónica de baile comienza aquí. CH
Kind of Blue (1959), Miles Davis
Con los bocetos de la melodía anotados sólo horas antes de la grabación, el disco de jazz más vendido del mundo sigue pareciendo espontáneo e imprevisible. El amigo de Davis, George Russell, explicó en una ocasión que el secreto de su jazz tonal era utilizar todas las notas de una escala “sin tener que cumplir el plazo de un acorde concreto”. Kind of Blue es irrepetiblemente genial. HB
Astral Weeks (1968), Van Morrison
“Si me aventuro en el torbellino, entre los viaductos de tu sueño…” Entrar en esta catedral musical, en la que confluyen el folk, el jazz y el blue-eyed soul, es siempre una sensación de asombro. Grabado en sólo dos sesiones de ocho horas, en las que Morrison primero tocó las canciones a los músicos reunidos y luego les dijo que hicieran lo suyo, Astral Weeks se siente como si se hubiera hecho ayer. Las letras de Morrison, que son un torrente de conciencia, se combinan con la riqueza del entorno acústico -contrabajo, guitarra clásica y flauta- y hacen que este disco sea un éxito.un álbum tan emotivo como cualquiera del rock y el pop. CH
Banda sonora de West Side Story (1961)
“La vida está bien en América / Si eres todo blanco en América” gritan los inmigrantes en este apasionado y político musical de reubicación de Romeo y Julieta a la Nueva York de los años cincuenta. La sofisticada partitura de Leonard Bernstein es un crisol de música pop, clásica y latina; las letras de Stephen Sondheim, afiladas como un cuchillo de cocina. Una plegaria sin respuesta para unos Estados Unidos unidos y que perdonan. HB
Signo de los tiempos (1987), Prince
Signo de los tiempos es la obra magna de Prince de un catálogo de obras maestras: un álbum doble que abarca el funk, el rock, el R&B y, sobre todo, el soul. Es la mayor articulación de sus experimentos alquímicos con la fusión musical, la suma de varios proyectos en los que Prince estuvo trabajando durante su año más fructífero desde el punto de vista creativo. En Sign o’ the Times, el bajo es el rey – Prince ya había consolidado su estatus de dios de la guitarra en Purple Rain. Hay temas que destilan sexo y canciones de amor como “Adore”, que sigue siendo una de las mejores de todos los tiempos. Cosido con sumo cuidado, como si escribiera una obra de teatro con principio, nudo y desenlace, el álbum es un hito tanto en el pop como en el arte. RO
Pet Sounds (1966), The Beach Boys
Atrapado en la resaca psicológica de un trauma familiar y de todas esas canciones de surf comerciales, Brian Wilson, de 23 años, tuvo un ataque de pánico y se retiró al estudio para escribir esta serie de canciones oníricas cuyas mareas estructurales las llevaron más allá de las fórmulas preppy de las gramolas de farmacia. Las notas de los vibráfonos y las latas de Coca-Cola brillan en las extrañas y tristes ondas de la melodía agridulce. HB
Ys (2006), Joanna Newsom
Joanna Newsom ha sido tachada por algunos como una niña chiflada, pero su segundo álbum, antes de que se entrenara la calidad infantil de su voz, puede ser el disco más encantador que se haya hecho jamás. A veces suena como si fuera de otro mundo, sentada frente a su arpa, cantando para sí misma sobre el sasafrás y Sísifo, pero luego una frase te lleva de repente a las profundidades del corazón: “Still, my dear, I’d have walked you to the edge of the water”.
Ysno son simples ni inmediatos. Las inusuales estructuras de las canciones de Newsom, con sus melodías fragmentadas, y los extraños y hermosos arreglos orquestales de Van Dyke Parks, de 63 años, tardan en hacer su magia. Pero una vez que estás hechizado, YsEl hechizo de Ys nunca desaparece. CH
Se necesita una nación de millones para retenernos (1988), Public Enemy
El segundo álbum de Public Enemy es el momento de cambio del hip-hop, en el que una nueva forma musical que llegó a su plenitud tras años de desarrollo lejos de los entrometidos encontró su voz radical. It Takes a Nation of Millions… sigue siendo uno de los álbumes más potentes y provocadores que se hayan hecho jamás. “Aquí hay una tierra a la que nunca le importó un bledo / un hermano como yo”, rapea Chuck D en “Black Steel in the Hour of Chaos”. El productor Hank Shocklee crea un sonido duro a partir de muestras que rinden homenaje a grandes del soul como James Brown e Isaac Hayes, y Flavor Flav le da un inconfundible entusiasmo. CH
Dark Side of the Moon (1973), Pink Floyd
Es fácil criticar a estos proggers blancos, masculinos y de clase media, con su nave espacial llena de tecnología y sus ambiciones monolíticas. Pero los tambores machacantes, los aullidos operísticos y la “tranquila desesperación” de este álbum conceptual sobre las diversas formas de locura siguen resonando en las partes desequilibradas, abrumadas y alienadas de todos nosotros. Toca a todo volumen, solo y al anochecer. HB
The Miseducation of Lauryn Hill (1998), Lauryn Hill
Lauryn Hill elevó el nivel de todo un género con este inmenso y rompedor trabajo. Al oscilar entre dos tonos -agudos y fríos, y sensuales y ahumados-, la ex miembro de los Fugees se apartó del statu quo misógino del rap y atrajo a un público ajeno al hip hop gracias a su fusión de soul, reggae y R&B, y a la contratación de artistas de la talla de Mary J Blige y D’Angelo.
Su atractivo sonoro tiene mucho que ver con la producción lo-fi y la cálida instrumentación, a menudo compuesta por un bajo que retumba, redoblantes y armonías doo-wop. Pero las influencias reggae de Hill son las que impulsan el espíritu del álbum: predicar el amor y la paz, pero también denunciar la opresión injusta. Aún hoy, es uno de los temas más edificantes.y discos inspiradores por ahí. RO
Histoire de Melody Nelson (1971), Serge Gainsbourg
El gran provocador cantautor francés probablemente no tendría demasiados adeptos hoy en día por un álbum conceptual sobre un tierno amor entre su yo de mediana edad y una adolescente a la que hace caer de la bicicleta en su Rolls-Royce. Pero, musicalmente, este álbum de culto es sublime, una extraordinaria colisión de bajos funk, letras habladas y los celestiales arreglos de cuerda de Jean-Claude Vannier. “Ballade de Melody Nelson”, cantada por Gainsbourg y Jane Birkin, es una de sus canciones más sublimes. CH
In My Own Time (1971), Karen Dalton
No hay nada artificioso en la capacidad de Karen Dalton para sacar las tripas de canciones conocidas y darles un giro folk-blues seco y agrietado. Ampliar los límites emocionales y narrativos de canciones como “When a Man Loves a Woman” de Percy Sledge es justo lo que hizo. ¿Por qué el mundo ha tardado tanto en apreciarla? HB
Let England Shake (2011), PJ Harvey
“Malditos europeos, llevadme de vuelta a la hermosa Inglaterra”. Puede que PJ Harvey sonara como si estuviera canalizando a Boris y Nige cuando hizo este llamativo álbum en 2015, pero pocos Brexiteers querrían hacer este viaje con ella. Let England Shake escarba en lo más profundo de la tierra, donde las rejas de arado enterradas yacen a la espera de ser convertidas en espadas. La muerte está en todas partes, a veces en su forma más visceral: “He visto caer soldados como trozos de carne”, canta en “The Words That Maketh Murder”, “Los brazos y las piernas están en los árboles”. Musicalmente, sin embargo, es deslumbrante: Harvey emplea el autoarpa, la cítara, el piano Rhodes, el xilófono y el trombón para crear un sonido folk futurista que es sorprendentemente original pero que casi podría ser de un siglo anterior. CH
Boy in da Corner (2003), Dizzee Rascal
Resulta asombroso escuchar este álbum y recordar que Dizzee sólo tenía 18 años cuando lo publicó. El MC, nacido como Dylan Mills, fue ascendiendo en la escena de garaje del Reino Unido como miembro de la banda Roll Deep del este de Londres, y supuestamente perfeccionó sus habilidades en la producción después de haber sido excluido de todas sus clases, aparte de la de música.
Si quieres hacerte una idea de lo adelantado que estaba Dizzee, solo tienes que escuchar el tema inicial “Sittin’ Here”. Mientras que 2018 ha sufrido una avalancha de singles de medio pelo que juegan con el sentimiento de nostalgia del oyente por tiempos más sencillos, hace 15 años Dizzee añoraba la inocencia de la infancia por lo que veía en el presente: embarazos de adolescentes, brutalidad policial, sus amigos asesinados en las calles o perdidos por un estilo de vida de crimen y dinero en efectivo. Boy in da Corner se apoya en ritmos fríos e incómodos, en sintetizadores que emulan los juegos de arcade y las sirenas de la policía, y en el propio Dizzee, que pronuncia sus barras con su característico graznido agudo. RO
Hounds of Love (1985), Kate Bush
La obra maestra de Kate Bush, producida por ella misma, explora la gama extrema de sus emociones oceánicas desde el aislamiento de un estudio de vanguardia construido en el jardín de su granja del siglo XVII. La vulnerabilidad humana de su voz y de los instrumentos tradicionales recibe una carga eléctrica gracias a su uso pionero de los sintetizadores. Emocionante y envolvente. HB
Líneas azules (1991), Massive Attack
El debut del colectivo de Bristol, una visión exclusivamente británica del hip hop y el soul que sigue influyendo en géneros modernos en auge como el grime y el dubstep, dio un nuevo y fresco impulso a la arena y el gris de la nación. Puedes oler los ceniceros en las mesas de los restaurantes grasientos en el susurro de Tricky y sentir la lluvia en tu cara en las estimulantes improvisaciones de Shara Nelson. HB
Surfer Rosa (1987), Pixies
Sólo hacen falta 20 segundos del tema de apertura “Bone Machine” para darse cuenta de que Pixies y el productor Steve Albini han desmontado el sonido del rock’n’roll y lo han reconstruido pieza a pieza. El furioso golpe de la batería de Led Zep, el bajo maduro y la guitarra de chapa metálica directamente de la línea de producción de los Stooges en Detroit se separan y recombinan. El sonido de Pixies ya está completo antes de que Black Francis se embarque en una de sus esquivas narraciones de culto al pop (“Your bone’s got a little machine”). La tensión entre el salvajismo de su voz y el tono melódico más suave de Kim Deal no alcanzará su equilibrio perfecto hasta su siguiente álbum, sino su debut (completo), Surfer Rosa es gigantesco, y merece un gran, gran amor. SuLa tectónica “loud, quiet, loud” resultaría tan influyente que Kurt Cobain, de Nirvana, diría más tarde que “básicamente intentaba copiar a los Pixies”. CH
Talking Timbuktu (1994), Ali Farka Toure y Ry Cooder
Si alguna vez duda de la posibilidad de mantener una conversación relajada y respetuosa a través de las divisiones culturales del mundo, regálese una hora con esta asombrosa colaboración entre el maliense Ali Farka Toure (que escribió todos los temas menos uno) y el californiano Ry Cooder (cuya guitarra slide los recorre como un peregrino). El desierto se une al Delta Blues. HB
Los Grandes Hombres del Gospel (1993), Varios artistas
En comparación con el blues, se ha infravalorado la incalculable influencia de la música gospel en el pop, el soul y el rock’n’roll. Se puede encontrar en cada canción de esta brillante compilación de 27 pistas. Si no oyes a James Brown en el primer tema, “Move on Up a Little Higher”, de Brother Joe May, no estás escuchando lo suficiente.
El camino a la Motown desde “Lord, Lord, Lord” de Professor Alex Bradford es realmente estrecho, pero aún así se puede tomar un desvío y seguir sus extáticos whoops directamente a Little Richard, que los tomó prestados, y a los Beatles, que los copiaron de él. Los cambios de acordes en picado de “My Soul Looks Back” de James Cleveland son magníficos. Todas las voces insustituibles del soul, desde Aretha Franklin hasta Bobby Womack, estaban impregnadas de gospel. Este es un gran lugar para escuchar de dónde vienen. Álbum de acompañamiento Las grandes mujeres del gospel también es una maravilla. CH
Desesperanza (2016), Anonhi
“Gran parte de la escena musical no es más que un club de chicos pajilleros y autocomplacientes”, dijo esta artista transgénero de voz angelical en 2012. Cuatro años después, la batería sísmica y la agenda ecofeminista radical de Desesperanzahicieron temblar los desmoronados cimientos de ese club hasta convertirlos en polvo. Los horrores de la guerra de los drones, la pedofilia y el calentamiento global son expuestos a las luces brillantes con una rabia desconcertantemente bella. HB
In Utero (1993), Nirvana
Kurt Cobain tenía un objetivo con In Utero : alejar a Nirvana de lo que él llamaba el sonido “candy-ass” en Nevermind – el álbum que los había convertido en una de las mayores bandas de rock del planeta- y llevarlos de vuelta al punk rock. Pidió al productor de Pixies, Steve Albini, que supervisara la producción.
No fue precisamente un éxito comercial al salir al mercado (In Utero llegó a vender 15 millones de copias en todo el mundo), pero la pesadez que la banda sintió al grabarlo se impone al oyente desde el primer tema. Descorazonados por la obsesión de los medios de comunicación con su vida personal y los fans clamando por la misma mierda de siempre, In Utero es pura rabia sin diluir. “GO AWAYYYYYYYYY” grita Cobain en “Scentless Apprentice”, capturando la esencia de la novela de Patrick Suskind Perfume: Historia de un asesino y utilizándola como metáfora de su asco a la industria musical, y a la prensa. RO
Curtis (1971), Curtis Mayfield
Curtis Mayfield llevaba más de una década haciendo música soul dorada a partir de sus raíces doo-wop con The Impressions antes de publicar su primer álbum en solitario, que contiene algunas de sus mejores canciones. Aunque algunos apuntan a la banda sonora de Blaxploitation de 1972 Superfly como el álbum definitivo de Mayfield, Curtis es más profundo y alegre, sus complejos arreglos son magistrales. El dulce falsete de Mayfield canta las insulsas garantías de Nixon sobre el bajo fuzz de “(Don’t Worry) If There Is a Hell Below We’re All Going”; las lúgubres trompas dan a la políticamente consciente “We the People Who Are Darker Than Blue” un profundo trasfondo emocional; “Move On Up” es simplemente una de las canciones más estimulantes del pop. Pasar tiempo con Curtis es estar en presencia de un alma hermosa. CH
Rumores (1977), Fleetwood Mac
Antes de seguir su propio camino, Fleetwood Mac decidió contar una historia que sería la marca por excelencia de la cultura del rock estadounidense en los años setenta.
Mientras Lindsey Buckingham y Stevie Nicks se lanzaban los restos carbonizados de su relación en “Dreams” y “Go Your Own Way”, el resto de la banda conjuraba las cálidas armonías de la Costa Oeste, las relajadas vibraciones californianas de la sección rítmica y los claros agudos de “Gold Dust Woman”, de tal manera que Rumores se convertiría en el sonido definitivo de laera. En el momento de su publicación, fue el LP que más rápido se vendió de todos los tiempos; su éxito convirtió a Fleetwood Mac en un fenómeno cultural. RO
¿Tienes experiencia? (1967), The Jimi Hendrix Experience
Prácticamente desconocido para los fans del rock apenas un año antes, Hendrix utilizó ¿Tienes experiencia? para imponerse como un genio de la guitarra que podía combinar el pop, el blues, el rock, el R&B, el funk y la psicodelia como ningún otro artista lo había hecho antes. Eso incluso sin las contribuciones esenciales del baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, que entregaron ¿Tienes experiencia? el puente rítmico entre el jazz y el rock.
Pocas aperturas de álbumes son tan exquisitas como “Purple Haze”. Pocos temas son tan gratificantes, tan sexys, como el pavoneo de “Foxy Lady”. Y pocas canciones se acercan al éxtasis existencial que provoca “The Wind Cries Mary”. El ataque de Hendrix a la guitarra contrastaba con los virtuosos más pulidos del rock de la época; sin embargo, es su cruda ferocidad a la que volvemos. Pocos debuts han cambiado el curso de la música rock como lo hizo Hendrix con el suyo. RO
We Are Family (1979), Sister Sledge
La gloria de la música disco es este álbum que Nile Rodgers y Bernard Edwards de Chic hicieron con Kathy Sledge y sus hermanas Debbie, Joni y Kim. Nile y ‘Nard estaban en la cúspide de su poder, las canciones clásicas salían a borbotones… We Are Familyse editó el mismo año que el mítico “Good Times” de Chic- y este álbum contiene cuatro de ellas, “Lost in Music”, “He’s the Greatest Dancer”, “Thinking of You” y la propia canción que da título al disco. Sister Sledge dio a Rodgers la oportunidad de trabajar con voces más cálidas y viscerales que las voces frías que solía dar a los discos de Chic, de estilo tan relajado, y el resultado es una fiesta de baile que llena la pista, salpicada de baladas suaves. CH
Este artículo se publicó originalmente en noviembre de 2020
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