El veredicto sobre ‘Shape of You’ de Ed Sheeran revela la realidad de la composición de canciones pop en la era del streaming

Ta sentencia es una enfática reivindicación del genio creativo de Ed, Johnny [McDaid] y Steve [Mac].” Así pregonaron los abogados de Ed Sheeran, ante la noticia de que él y su equipo de compositores habían ganado el sonado caso de derechos de autor presentado contra él por Sami Chokri y Ross O’Donoghue, por las similitudes entre el éxito de Sheeran de 2017 “Shape Of You”, y el lanzamiento de Chokri de 2015 “Oh Why”.

Sigue adelante. Un pilar clave de la defensa de Sheeran fue que el pasaje en cuestión -cuatro “oh I” ascendentes antes del gancho- era un eco tan común y formulista de la escala pentatónica, tan sobreutilizado y obvio, que era prácticamente inatribuible. Sheeran incluso cantó secciones de “Feeling Good” y “No Diggity” de Blackstreet en el tribunal como prueba de lo predecible y formulista que había sido al escribir “The Shape Of You”. La decisión del juez Zacaroli de que Sheeran no había copiado “ni deliberada ni inconscientemente” la canción de Chokri, ni siquiera la había escuchado, no es un triunfo para el arte de la música imaginativa.

Lo que sí hay es un reconocimiento oportuno de las realidades de la composición de canciones pop en la era del streaming. La facilidad de la distribución digital ha abierto de par en par las puertas de la música accesible. Las cifras de 2019 sitúan el número de canciones editadas en formatos tradicionales en los 60 años anteriores en unos 5 millones; hoy se calcula que se suben a Spotify 22 millones de canciones al año, a un ritmo de 60.000 al día. En algún lugar de ese tsunami sonoro, por inevitabilidad estadística, hay una canción que se parece mucho a cualquier otra que un gran compositor pueda estar preparando en su hoguera caribeña. Ante semejante avalancha monumental -al igual que parece que siempre hay alguien en Internet que construye el mismo meme que tú-, la coincidencia sonora es inevitable, pero los actos conscientes de plagio son mucho menos probables. Las posibilidades de que “people” de Taylor Swift sea uno de los 27 flujos de tu tema que parece idéntico a su nuevo single son, me temo, escasas.

Al mismo tiempo, la enorme disparidad de ingresos entre los miles de millones de streams garantizados que produce Ed Sheeran y los micropennels que obtienen canciones similares perdidas en las profundidades del streaming no hace más que fomentar las demandas por derechos de autor. Es comprensible que los genios hambrientos del fondo del ecosistema del pop quieran evitar toda la suerte, la casualidad y la financiación de las grandes discográficas que se necesitan para alcanzar el éxito y demandar para conseguir un salario digno. Puede que incluso se sienta como un asalto a la Bastilla del pop, una huelga justa para los pequeños contra los gordos perezosos y manipuladores de la línea de producción. Y cada gran éxito es un objetivo potencial.

Los tribunales también les animan. Dua Lipa está luchando actualmente contra dos demandas por su canción “Levitating”, una de las cuales alega que la copió de un tema de 1979 llamado “Wiggle And Giggle All Night” de Dr Buzzard’s Original Savannah Band, cuya propia madre no podía silbarla. Y en 2013, el patrimonio de Marvin Gaye demandó con éxito a los guionistas de “Blurred Lines” de Robin Thicke por 5,3 millones de dólares por imitar el “feeling” de “Got To Give It Up” de Gaye, consiguiendo así -a duras penas- la propiedad legal del “funky”. Doscientos músicos presentaron un escrito de amicus curiae a la apelación, alegando que “el veredicto en este caso amenaza con castigar a los compositores por crear nueva música que se inspira en obras anteriores”.

El veredicto de Sheeran podría alejar esas demandas frívolas y oportunistas, y permitir a los músicos seguir haciendo música sin temor al océano de pirañas financieras del streaming. Como bien dice su declaración, “una cultura en la que se presentan fácilmente demandas injustificadas… no es constructiva ni conduce a una cultura de la creatividad”. Pero esto es válido en ambos sentidos; esta decisión no debería servir de luz verde para que los grandes comités de composición del pop, carentes de ideas, hurguen en los sitios de streaming en busca de grandes pero desconocidas canciones -de las que hay innumerables- para hurtarlas impunemente.

Así pues, al aventurarnos en nuevas aguas para la composición de canciones y sus implicaciones, tenemos que engendrar también una nueva actitud. Para que la música continúe siendo una forma de evolución cultural comunitaria, este entorno tradicionalmente canino, en contra de su propia naturaleza, necesita desarrollar un sentido del honor y la integridad. Debe jurar, en todos los casos, dar crédito a quien realmente lo merece. Eso significa que a los artistas surgidos de la nada se les ofrezca el mismo estatus de compositores. Los equipos de compositores que están detrás de los grandes éxitos del pop deben recibir el reconocimiento adecuado, mientras que las contribuciones de los propios artistas nunca deben ser infravaloradas. Los artistas deben reconocersus fuentes y buscando activamente la autorización antes de que se vean obligados a hacerlo.

Es una ideología que ha ayudado a la música de baile y al rap a prosperar durante décadas, impulsada por el artista y no por los hombres del dinero, y que ha abierto las puertas a los actos underground y a los protegidos para mantener la música fresca. Ahora es el momento de que el pop, donde el crédito es a menudo la única fuente de ingresos de un escritor, dé un paso adelante. No hay que conformarse con melodías copiadas; hay que negarse a trabajar con plagiadores “urraca”; hay que tener la conciencia creativa tranquila. Después de todo, ¿dónde está la alegría de interpretar música si está llena de culpa?