Las 10 mejores películas de 2021, desde Dune hasta The Power of the Dog

WHemos llegado a finales de 2021 y la industria del cine se tambalea al borde de un futuro desconocido. Cuando los cines reabrieron por primera vez en el Reino Unido, en mayo de este año, una encuesta encontró que solo el 40 por ciento de las audiencias se sentían listas para regresar. Lenta y constantemente, ese número ha crecido, con el lanzamiento de No hay tiempo para morir, Veneno: Que haya matanza, y Duna posicionando a octubre como el mes con mejor desempeño del año en lo que va de año.

Pero “volver a la normalidad” está todavía muy lejos y los fracasos de taquilla de películas originales como Anoche en Soho, Rey Ricardo, y El ultimo duelo solo han creado más incertidumbre. Todo lo que el año pasado realmente ha hecho es traernos de regreso a la única pregunta que acecha a todo el cine moderno: ¿hay más espacio para las tarifas orientadas a los adultos, que no son de franquicia, entre todos los multicines y las películas de eventos de miles de millones de dólares?

Nunca nos faltan grandes películas, las que nos moldean, desafían y conmueven, pero también es demasiado fácil que las cosas se escapen por las grietas. Se pierden en los algoritmos del servicio de transmisión por secuencias; se marchitan en lanzamientos cinematográficos limitados. Pero eso me lleva a esta lista: una colección de 10 películas, grandes o pequeñas, de ficción o no ficción, de las que me enamoré desde el año pasado. Quizás sientes lo mismo por ellos. Quizás te animen a descubrir algo nuevo. Pero que sirva principalmente como un recordatorio de que, a pesar de todas las luchas del año pasado, lo único que a esta industria no le falta es imaginación.

10) Zola

“¿Quieres escuchar una historia sobre por qué esta perra y yo nos peleamos? Es un poco largo pero lleno de suspenso “. Basado en una serie de tweets publicados por la bailarina exótica A’Ziah “Zola” King en 2015, sobre un viaje caótico a Tampa con una mujer que acababa de conocer, la película de Janicza Bravo es un viaje increíble. Pero está igualmente bien versado en el nuevo estado bifurcado provocado por las redes sociales, uno en el que la vida no es solo algo para experimentar, sino para ser observado para luego regurgitarlo para una audiencia hambrienta y omnipresente.

Zola (Taylour Paige) a veces dirige los remates a la cámara (“Empiezan a joder. Fue asqueroso”). En otras ocasiones, la veremos en la esquina de un marco, sus brazos extendidos sobre su cuerpo como un escudo. Ese es el otro Zola, el más veraz y vulnerable. Hay una precisión microscópica en la actuación de Paige, donde los monólogos se pronuncian a través del arco de una ceja o una única respuesta sin tono de “palabra”. Está rodeada de personajes, interpretados por Riley Keough, Colman Domingo y Nicholas Braun, que se sienten increíbles y desconcertantemente reconocibles, incluso cuando actúan con un telón de fondo de montajes de pene y cantan “Hannah Montana” de Migos. Como Zola argumenta, ahí es donde se encuentran las mejores historias.

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9) Mujer joven prometedora

Mujer joven prometedora nunca fue lo que su campaña de marketing quiso vender: sus carteles adornados con lápiz labial manchado y el lema “llévala a casa y arriésgate”. Claro, Cassie (Carey Mulligan) tiene su rutina nocturna. Se viste, sale, se ve borracha y vulnerable. Cuando un hombre la lleva inevitablemente a casa y trata de aprovecharse de ella, ella saldrá repentinamente de su estupor y lo confrontará con sus propios pecados. Pero Cassie no es el ángel vengador promedio. Ella no traza una línea de sangre y penitencia directamente al corazón del patriarcado.

La película de Emerald Fennell, ganadora de este año del Premio de la Academia al Guión Original, es algo mucho más oscura, espinosa y emocionalmente cruda. Cassie no solo está impulsada por un impulso vengativo, es una adicción que ha salido de una vieja herida. Hace años, en la escuela de medicina, su mejor amiga Nina fue agredida sexualmente. El responsable, los que lo capacitaron y los que lo protegieron, nunca enfrentaron consecuencias. Mujer joven prometedora tiene su estilo surrealista, todo lleno de pasteles y portadas portentosas de éxitos del pop, pero sus emociones están firmemente arraigadas en nuestra brutal realidad. ¿Cómo es que las víctimas encuentran la paz exactamente, pregunta Fennell? ¿Y cómo pagan los culpables por sus acciones?

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8) Noche de Reyes

Dentro de las estructuras laberínticas de la penitenciaría de La Maca, en las afueras de la capital de Costa de Marfil, Abidjan, un hombre (Bakary Koné) cuenta una historia. Y, al igual que Scheherazade, la heroína de Mil y una noches, esta historia sigue siendo lo único que lo salva del abrazo de la muerte: su verdadero papel es proporcionar una distracción a los presos para que pueda tener lugar una entrega pacífica del liderazgo. La Maca está gobernada por sus internos y el Dangôro, su líder, está demasiado enfermo ahora para cumplir con sus deberes.

Aunque el marco de la película de Philippe Lacôte sirve como testimonio propio del poder de la narración para moldear la historia y el pensamiento, hay una belleza intensa en la forma en que las palabras del hombre sumergen a su audiencia (y a la de Lacôte) en el reino de las fábulas. Danza, ritual, canto, política: todos estos elementos se combinan en una serie de recreaciones que desdibujan la línea entre la verdad y la magia. La película cuenta con un elenco de más de 40 intérpretes, muchos de ellos actores no profesionales, entre ellos la arista feminista Laetitia Ky, luciendo una de sus majestuosas y delicadas esculturas de cabello. Mientras tanto, la cámara del director de fotografía Tobie Marier-Robitaille serpentea a su alrededor, bajo su hechizo.

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7) Gunda

Gunda es una telenovela porcina sigilosa, un documental sobre la vida en la granja que no solo presenta de manera hermosa un entorno tan humilde, sino que extrae una sorprendente cantidad de drama de todos los vaivenes diarios. El ruso Viktor Kossakovsky comienza con una camada de lechones y, a medida que crecen, maduran sus personalidades y su jerarquía interna. Su cámara permanece siempre presente a la altura de sus ojos y se limita a los límites de su mundo. La presencia de humanos se siente únicamente a través de los productos de su industria: cercas de alambre, crotales y tractores. Solo en un solo disparo percibimos la sombra de una bota. Es una experiencia extraña pero alegre y profundamente transportadora.

En una secuencia repentina, emocionalmente (aunque no literalmente) violenta, recordamos el sistema al que están ligadas estas vidas, mientras el mensaje ambientalista de Kossakovsky pasa silenciosamente a un primer plano. El actor y activista Joaquin Phoenix fue productor ejecutivo de la película por una buena razón. Aunque nunca juzga al espectador ni plantea ningún tipo de exigencia, la película otorga un peso moral necesario a los ciclos de nacimiento y muerte que la humanidad ha puesto bajo su control.

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6) Vamos, vamos

vamos vamos es un gran abrazo de oso envuelto en celuloide. Johnny, interpretado por Joaquin Phoenix, es un periodista de radio que es muy bueno para hacer preguntas pero no tan bueno para responderlas. Él y su hermana Viv (Gaby Hoffmann) se han distanciado en los meses posteriores a la muerte de su madre, pero ahora se encuentra a sí mismo como padre temporal de su hijo Jesse (Woody Norman) después de que ella la llamara para ayudar a su esposo separado a buscar ayuda psiquiátrica. Jesse es un niño curioso, con un yelmo de pelo ondulado y ojos oscuros y penetrantes.

Mike Mills, el guionista y director de la película, ha entendido desde hace mucho tiempo cuán desarmadora puede ser la emoción íntima y no forzada. Cuando Jesse le hace a Johnny el tipo de preguntas que parecen fáciles para los jóvenes: “¿Por qué no estás casado?” – las respuestas vuelven todas revueltas. Phoenix está en su mejor momento aquí, juguetón y vulnerable, mientras que el director de fotografía Robbie Ryan usa un rico blanco y negro que evoca la fotografía callejera de Lee Friedlander, familiar y un poco mágica. No es que la vida se ponga mas dificil vamos vamos parece argumentar, pero eso cada año trae consigo un poco menos de claridad.

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Ya, Duna parece haber logrado su misión: su éxito de taquilla ha traído consigo un aumento en las ventas de la novela de Frank Herbert de 1965, revitalizando su legado de la misma manera que la trilogía El señor de los anillos de Peter Jackson lo hizo con el trabajo de JRR Tolkien. La historia de Herbert sobre los nobles feudales que libran la guerra por Arrakis, la única fuente de una poderosa droga conocida como especia, está repleta de ideas contradictorias que los académicos todavía están desempaquetando hoy. Para Villeneuve, sus intereses parecen residir principalmente en donde el colonialismo y la religión chocan, específicamente en el armamentismo de las creencias para controlar una población.

Villeneuve permite que el terrible y sofocante peso del destino que infecta a su protagonista, el joven noble Paul Atreides, en un camino para convertirse en el omnisciente Kwisatz Haderach, se filtre en cada cuadro. Está en la paleta estéril y apagada del mundo natal de Paul, Caladan, y en la neblina dorada de Arrakis. Las figuras atraviesan vastos paisajes, mientras enjambres en miniatura de naves espaciales se juntan como insectos invasores. Villeneuve ha creado una película de una amplitud tan literal y emocional que abruma los sentidos.

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4) Amenazar

Este año, los Globos de Oro tocaron un nuevo mínimo cuando descalificaron a la bella y tierna Amenazar de la carrera Mejor Película (Drama). Dado que su familia central de inmigrantes a menudo conversa en coreano, fue tratada puramente como una película en un idioma extranjero, a pesar de estar dirigida por un estadounidense (Lee Isaac Chung), producida por compañías estadounidenses y ambientada en el estado de Arkansas. Amenazar es, de hecho, una película profundamente estadounidense que lucha con la imagen folclórica del país de sí mismo como una tierra prometida o, como lo llama el patriarca de la película, Jacob Yi (Steven Yeun), un “jardín del Edén”.

Jacob se ha apoderado de una idea: ha trasladado a su familia de California al sur rural, donde espera cultivar el tipo de verduras que sus compatriotas coreanos-estadounidenses tienen tantas dificultades para conseguir. Y así, los Yis, Jacob, su esposa Monica (Han Ye-ri) y sus dos hijos, se despiden de la relativa estabilidad, con su trabajo regular y una comunidad unida. La película de Chung, ambientada en los años ochenta, tiene la energía suave y nebulosa de un recuerdo. El corazón de un inmigrante es un campo de batalla entre el pasado y el presente, un hogar que alguna vez fue y un hogar que es ahora. Y Amenazar permite que esas ideas se manifiesten en un mundo de signos y símbolos, los mismos bloques de construcción del mito estadounidense.

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3) Tierra nómada

En su discurso de aceptación al Mejor Director, Chloé Zhao eligió una frase del texto chino la Clásico de tres caracteres: “Las personas, al nacer, son inherentemente buenas”. NomadlandLa propia belleza frágil y humanista radica en su firme creencia de que la comunidad puede ser un bálsamo para todos los males. Dibujo del libro de Jessica Bruder de 2017 Nomadland: Surviving America in the XXI Century (Tierra nómada: sobrevivir a América en el siglo XXI), la película presenta a varias de las personas de la vida real mencionadas en el libro: estadounidenses mayores que han adoptado un estilo de vida transitorio, que viven en autocaravanas y remolques mientras buscan trabajo de temporada. Pero Zhao nunca juega con su dolor. En cambio, envuelve este mundo alrededor de su audiencia como si fuera una manta, dándoles la bienvenida a través de las características familiares de su estrella de la lista A, Frances McDormand.

Nomadland es tan diferente a los ganadores de Mejor Película a los que estamos acostumbrados. Es tranquilo, donde otros se han jactado. Prefiere miradas o palabras sencillas a los monólogos. Donde ocurre la transformación, es interna y no a través de un desfile de pelucas y prótesis. Con su tercera película, Zhao se ha establecido como una de nuestras más grandes practicantes de la docuficción: encuentra lo cinematográfico que ya existe en la vida cotidiana, en lugar de transformar lo cotidiano hasta que lo considera digno de su cámara.

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2) El poder del perro

El western magnífico y cargado de erotismo de Jane Campion, adaptado de la novela de Thomas Savage del mismo nombre, se sitúa contra las escarpadas líneas de las montañas de Montana. Campion, sin embargo, optó por utilizar su Nueva Zelanda natal como sustituto de los Estados Unidos. La belleza de cuento de hadas de ese país confiere una cualidad extraña e inescrutable al paisaje, que eleva toda la película a un nivel de emoción constante y elevada. Cuando la pareja de recién casados ​​de la película, George (Jesse Plemons) y Rose (Kristen Dunst), encuentran un momento de tranquilidad para abrazar, la imagen de esos dos amantes, fundidos en uno, se siente tan hermosa como efímera. Las montañas que los rodean y los protegen podrían, en cualquier momento, volverse agudas, hostiles y peligrosas.

Pero cuando el hermano de George, Phil (Benedict Cumberbatch, extraordinariamente vulnerable) camina por ese mismo paisaje, todo el lugar parece levantarse en un ataque de represalia. Su único impulso es dominar y controlar a quienes lo rodean, ya sea George, Rose o el hijo de Rose, Peter (Kodi Smit-McPhee), cuyo delicado ojo para las flores de papel y las pequeñas criaturas esconde multitudes. Campion tiene una habilidad innata para expresar la textura del deseo, ya sea que viva en la tierra, en un pañuelo bordado o en una cuerda de cuero trenzado. Puede encontrar el punto exacto en el que se cuaja y se convierte en violencia, o donde se cultiva y se deja florecer.

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1) Primera vaca

Corte de manso, y ahora Primera vaca – Los dos retratos audaces y perspicaces de Kelly Reichardt de los primeros Estados Unidos – deberían tratarse como un nuevo estándar en el cine histórico. Sus ideas sobre el período están arraigadas firme y apasionadamente en un desdén por la colonización y la opresión, mientras se burla hábilmente del mito cultural de que alguna vez hubo un oeste que domar o conquistar. Y en Primera vaca, todo viene empaquetado en forma de un solo bovino, el primero en llegar al perturbado país de Oregón, ahora propiedad preciada de un terrateniente local (Toby Jones). Su leche es la promesa contaminada de un futuro mejor: extraída por el balde todas las noches por dos hombres de la frontera, Cookie (John Magaro) y King-Lu (Orion Lee), que la utilizan para hacer deliciosos pasteles aceitosos para vender a los comunidad. Pero para la audiencia de Reichardt, toda esperanza es efímera cuando se les recuerda que la película comenzó con una toma de dos esqueletos, uno al lado del otro.

Pero Reichardt nunca ha sido un cínico. La profunda dulzura de Primera vaca proviene de los pequeños detalles que construye en la amistad de Cookie y Lu. La pareja cae en una especie de dicha privada y doméstica: un refugio dentro de un mundo colérico y despiadado. Cookie hornea, mientras Lu corta leña. Las actuaciones de Magaro y Lee conectan tan sinceramente entre sí que escucharlos hablar es sentirse invitados a su mundo. Primera vaca comienza con una cita de William Blake: “El pájaro es un nido, la araña una telaraña, la amistad del hombre”. Es posible que Estados Unidos no haya sido su hogar, pero aún así se encontraron uno en el otro.

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