Las 40 mejores bandas sonoras de películas, desde Casi famosos hasta Guardianes de la galaxia

Ta música que aparece en una película puede ser tan conmovedora, esencial o memorable como cualquier línea de diálogo o la actuación de un actor. Una gran banda sonora a menudo trasciende la película en la que apareció por primera vez, ya sea que se componga de canciones pregrabadas de artistas conocidos o de pistas originales que se convirtieron en éxitos duraderos.

Desde 2019, las bandas sonoras de películas se han convertido en sinónimos de las listas Top 10 como Ed Sheeran, Drake o Ariana Grande. Pero antes El mejor showman y Ha nacido una estrella, ha habido partituras que se han grabado en el espíritu de la época cultural porque capturaron momentos que nos hablaron mucho después de los créditos finales.

Ya sean las guitarras melancólicas de la escena grunge de Seattle las que sirvieron como telón de fondo para las canciones de Cameron Crowe Individual, el trance eufórico en La playa, o la angustia adolescente del post-punk rock británico en bonita en rosa: muchas películas no serían tan buenas sin la música que las acompaña.

Desde ficción de la pulpa a Guardianes de la Galaxia, aquí están las 40 mejores bandas sonoras de películas de todos los tiempos:

40. Alta fidelidad (2000)

Antes Estado jardín y 500 días de verano, el equipo detrás de la adaptación de la novela de Nick Hornby compiló 15 pistas como un mixtape. Era uno que su quisquilloso personaje principal habría aprobado. Al igual que con muchas de las bandas sonoras de esta lista, Alta fidelidad’El éxito de s radica en un equilibrio entre las gemas de la vieja escuela de The Kinks y Elvis Costello a los recién llegados de los 2000, incluidos Stereolab y Royal Trux.

39. Baile sucio 2: Noches en La Habana (2004)

Esto puede parecer un sacrilegio dado que la primera baile sucio La banda sonora es sin duda la más icónica de las dos. Y sí, la secuela (esencialmente un remake ambientado en la Cuba de los años 50), protagonizada por Romola Garai y la futura pícaro uno Diego Luna, padecía una trama cargada de clichés y falta de química entre sus dos actores principales. Pero la banda sonora, con la banda de fusión latina nominada al Grammy Yerba Buena, la banda de rock colombiana Aterciopelados y el grupo de hip hop cubano Orishasis, es lo que me atrae de nuevo a este placer culpable de película. baile sucio 2 Realmente no se merecía una banda sonora así, pero agrega algo de calor real a una película que, además de las magníficas rutinas de baile, te deja frío.

38. Buenos muchachos (1990)

Martin Scorsese tenía reglas estrictas para la banda sonora de su película Buenos muchachos: cada canción tenía que haber existido durante el tiempo en el que se ambientaba la escena, y las pistas tenían que hacer algún tipo de comentario sobre la escena o el personaje en cuestión “de forma oblicua”. Durante la película se escuchan la asombrosa cantidad de 48 canciones, incluidos clásicos de Dean Martin, Fred Astaire y The Drifters, Sid Vicious, The Who y The Rolling Stones. Uno de los momentos más inolvidables es cuando suena “Beyond the Sea” de Bobby Darin mientras los Wise Guys preparan la cena, que “siempre fue algo importante” en prisión.

37. Scott Pilgrim contra el mundo (2010)

Cuando se trata de la banda sonora de su película, ayuda si el director es un gran nerd de la música. Por supuesto, la música siempre iba a jugar un papel muy importante en una película sobre un chico en una banda y su búsqueda de videojuegos para conquistar a la chica de sus sueños. Pero Edgar Wright, ex director de videos musicales, encontró una manera de integrar perfectamente su banda sonora en Scott Pilgrim contra el mundola narrativa de . Beck, quien escribió la música para la banda de garaje de Scott Pilgrim, Sex Bob-omb, fue una combinación perfecta para su caótico enfoque de bricolaje, mientras que la canción de Metric “Black Sheep” se usó para una actuación de la banda de la ex novia Envy Adams (Brie Larson). El Choque en Demonhead.

36. Conducir (2011)

Conducir no habría funcionado tan bien como lo hizo sin la banda sonora. El compositor de referencia de Steven Soderbergh, Cliff Martinez, reunió las canciones para el ambicioso proyecto independiente de Nicolas Winding Refn, demostrando que entiende que las bandas sonoras más efectivas son a menudo las que te transportan a la película sin que te des cuenta. Mediante el uso de un conjunto de vocalistas en su mayoría mujeres, todas las cuales cantan sobre ritmos electrónicos rígidos, a menudo ominosos, Martínez logró una representación sonora de Conducir’Es una sorprendente yuxtaposición entre belleza y violencia.

35. El guardaespaldas (1992)

Es la banda sonora de película más grande de todos los tiempos y el decimoquinto álbum más vendido en los EE. UU. Whitney Houston insufló nueva vida a las canciones de Dolly Parton (“I Will Always Love You”) y Chaka Khan (“I’m Every Woman”). Cinco de las canciones interpretadas por Houston fueron éxitos: “I Will Always Love You”, “I’m Every Woman”, “I Have Nothing”, “Run to You” (ambas nominadas al Oscar) y “Queen of the Night”. ”

34. Tour mágico y misterioso (1976)

Sí, fue la peor película de los Fab Four, pero la banda sonora está repleta de algunas de sus mejores canciones: “I am the Walrus”, “She Loves You” y “Hello, Goodbye”. Donde A Hard Day’s Night, Yellow Submarine y Help fueron sin duda más influyentes en la cultura popular, Magical Mystery Tour es el más divertido de escuchar, independientemente de cuánto esfuerzo se requiera para verlo.

33. Vientre (1998)

La banda sonora de Belly capturó la escena del rap de la costa este a medida que avanzaba hacia un sonido más arenoso y experimentó una de las transiciones más importantes para cualquier género en la historia de la música, con contribuciones de artistas como D’Angelo, miembros de Wu-Tang Clan, Nas y Jay Z.

32. Donnie Darko (2001)

La película oscura y sombría de Richard Kelly, protagonizada por un joven Jake Gyllenhaal, sigue siendo una de las pocas que realmente captura lo que significa ser un adolescente confundido y alienado. Con el compositor Michael Andrews, Kelly seleccionó algunas de las mejores canciones de una era que trataba sobre la angustia existencial a través del pop sintetizado optimista: Echo and the Bunnymen, Duran Duran, Tears for Fears, The Pet Shop Boys y más. Al elegir para cerrar la película la versión de Michael Andrews de “Mad World” de Tears for Fears, Kelly apuntala la actitud ensimismada de los adolescentes convencidos de que sus músicos favoritos son los únicos que realmente los entienden.

31. Vaquero de medianoche (1969)

Midnight Cowboy, la primera película con clasificación X en ganar el Oscar a la Mejor Película, tomó material original y canciones preexistentes para complementar el tema de un ingenuo vaquero/aspirante a trabajador sexual que intenta sobrevivir en una gran ciudad, y la yuxtaposición entre Jon El personaje de Voight, Joe Buck, y el estafador moribundo “Ratso” (Dustin Hoffman). La canción de Fred Neil “Everybody’s Talkin'”, que subraya el primer acto, ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Contemporánea Masculina (para Harry Nilsson).

30. Carretera perdida (1997)

El trabajo de Trent Reznor en la película neo-noir de 1997 de David Lynch está cargado de electrónica e instrumentales rígidos de Angelo Badalamenti. En el medio, tienes Smashing Pumpkins, Nine Inch Nails y, por supuesto, “Song to the Siren” de This Mortal Coil, una canción que llamó la atención de Lynch y lo inspiró a coescribir dos álbumes para la cantante de Twin Peaks, Julee Cruise.

29. Los últimos días de la discoteca (1998)

El clásico independiente de 1998 de Whit Stillman protagonizó a las entonces virtualmente desconocidas Kate Beckinsale y Chloë Sevigny como amigas y compañeras de cuarto en el Nueva York de principios de los ochenta. Agregue eso a una banda sonora disco de pared a pared y obtendrá una película embriagadora con himnos clásicos de la pista de baile de Chic, Diana Ross y Sister Sledge cantados uno tras otro.

28. Solteros (1992)

En el verano de 1992, la banda sonora de una película que fracasó en la taquilla ofreció a las masas la puerta de entrada que necesitaban a la escena grunge de Seattle. Cameron Crowe quería la Individual banda sonora para ser “más como un simple mixtape de lo mejor de Seattle”, y terminó con un verdadero quién es quién de cada banda importante de ese momento: Pearl Jam, Alice in Chains, Smashing Pumpkins, Soundgarden y Mudhoney… todos excepto Nirvana. Casi tres décadas después del estreno de la película, la banda sonora sirve como hito musical.

27. Crueles intenciones (1999)

La adaptación de textos literarios clásicos a los escenarios de la escuela secundaria moderna fue un gran acontecimiento en los años noventa. intención cruels provino de la obra del siglo XVIII de Pierre Choderlos de Laclos, Las amistades peligrosas, y protagonizada por Sarah Michelle Gellar y Ryan Phillippe como Kathryn y Sebastian: dos niños ricos mimados y aburridos que juegan con la ingenua y virtuosa Annette (Reese Witherspoon). Originalmente se reclutó a John Ottman para componer la partitura, pero los productores decidieron que no encajaría bien con el grupo demográfico adolescente al que se dirigía y, en cambio, optaron por una banda sonora de Placebo, Blur, Skunk Anansie, Aimee Mann y Counting Crows.

26. Danza relámpago (1983)

Baile del destello, la primera colaboración entre los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer, es importante porque realmente cambió la forma en que se rodaron algunas de las películas más populares de los años ochenta. Para cada canción que aparece en la película hay una escena presentada de la misma manera que un video musical, como el uso de “Maniac” mientras Alex (Jennifer Beals) entrena para su audición de baile, o la canción principal de la película “What a Feeling”, que suena durante el montaje de apertura de la acería. Este último, escrito por el compositor italiano Giorgio Moroder, Keith Forsey e Irene Cara (quien interpretó la canción), se convirtió en el primer y único éxito número uno de la cantante. También ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original, un Globo de Oro y un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. Mientras tanto, “Maniac” de Michael Sembello se convirtió en una de las canciones más taquilleras jamás escritas para una película.

25. Medio Nelson (2006)

Mientras medio nelson no es tan apreciado como Lars y la chica real o Conducir, es el que ayudó a Ryan Gosling a romper con su condición de rompecorazones de The Notebook. También tiene una banda sonora fenomenal dirigida por Broken Social Scene, cuya brillante colección de caras B resultó indispensable para esta película sobre un profesor de secundaria adicto a las drogas que lucha por lidiar con las consecuencias de una ruptura. Entre esos temas, hay hip hop descarnado que muestra el cruce de Dan con el mundo de su alumno, el estoico Drey (Shareeka Epps), del colectivo neoyorquino Dujeous a Rhymefest.

24. Perdido en la traducción (2003)

Sofia Coppola es una reina de la gota de aguja. El Perdido en la traducción La banda sonora fue tan influyente que varios críticos sugirieron que tenía algo que ver con el renacimiento del shoegaze a mediados de los noventa. Sea como sea, hay pocas canciones mejores para cerrar una película que “Just Like Honey” de Jesus and Mary Chain, que suena justo después del beso de despedida entre Bob (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson) y ese susurro indescifrable.

23. Romeo + Julieta (1996)

La ex productora de Massive Attack, Nellee Hooper, es la creación detrás de una de las mejores bandas sonoras de películas de todos los tiempos. Trabajando con los compositores Craig Armstrong y Marius de Vries, hizo una prueba beta de muchas de las pistas que terminaron en el álbum tocándolas a las 5 am para los invitados posteriores a la fiesta en su casa en Londres. Otros se inspiraron directamente en el texto original de Shakespeare, con Justin Warfield de One Inch Punch y Art Alexakis de Everclear a quienes se les permitió ver las primeras ediciones de escenas de la película para inspirarlos. como las bandas sonoras de Matar a Bill, Trainspotting y Maria Antonieta, es el gran eclecticismo de las canciones que aparecen en Romeo + Julieta que te hacen recordar cada uno, y la escena en la que se usa cada uno, durante años después de ver la película por primera vez.

22. Cuanto más duro vienen (1973)

Además de convertir al cantante de reggae Jimmy Cliff en una estrella, tanto la película como la banda sonora de Lo más duro que vendrán expuso al público general a la industria discográfica emergente de Kingston. Solo la canción principal era una original grabada por Cliff para la película; el resto eran solteroslanzado en Jamaica entre 1967 y 1972, incluido el magnífico “You Can Get it if You Really Want” de Cliff, además de canciones de grandes como Toots and the Maytals y Desmond Dekker.

21. La playa (2000)

La playa La banda sonora es lo que le da vitalidad a esta película protagonizada por un Leonardo DiCaprio de cara fresca, que captura la esencia de la música trance que se escucha durante las fiestas en la playa tailandesas. El supervisor musical Pete Tong dijo que las canciones, incluidas “Porcelain” de Moby y “Voices” de Dario G, son las que hacen que la película “se pueda ver una y otra vez”. La forma en que avanza la música refleja la arena y la oscuridad que comienzan a darse a conocer en lo que al principio parecía ser el paraíso.

20. La guapa de rosa (1986)

John Hughes dio en el clavo con la fórmula de las películas para adolescentes con la banda sonora del angustioso rock británico post-punk. Echo & the Bunnymen, The Smiths, Orchestral Manoeuvres in the Dark y New Order aparecieron en lo que es esencialmente la lista de verificación de Hughes de lo que los chicos geniales tocaban en los años ochenta.

19. Pantera negra (2018)

Con curaduría y producción coejecutiva de Kendrick Lamar, la Pantera negra banda sonora reclutó a un grupo selecto de extraordinario talento que entendería los temas de la película, desde Anderson .Paak hasta Earl Sweatshirt. Al frente de este grupo está el propio Lamar, sin duda la mejor elección de artista para una película que explora la responsabilidad, el poder negro, la dinámica familiar y la lealtad. Donde Jay-Z no se hizo a un lado en el Gran Gatsby banda sonora y dejar que otros artistas hagan lo suyo, Lamar está más interesado en resaltar las habilidades de sus compañeros artistas, como la cantante sudafricana Babes Wodumo o Jorja Smith. es cierto que el Pantera negra El álbum palidece en comparación con la mayoría del trabajo en solitario de Lamar, pero es raro ver una banda sonora que considere tan profundamente el tema que se ha presentado.

18. Aturdido y confundido (1993)

Con el Aturdido y confuso banda sonora, el director Richard Linklater destacó una era de estridentes himnos de rock trasero y jams fumetas, desde “School’s Out” de Alice Cooper hasta “Stranglehold” de Ted Nugent.

17. María Antonieta (2006)

En un año saturado de dramas de época, desde un remake of Jane Eyre a La Reina, María Antonieta se destacó por su representación muy estilizada de una figura histórica muy conocida. La directora Sofia Coppola incluye The Strokes, New Order, Adam and the Ants y The Cure entre sus momentos emocionantes, junto con música de época de los compositores barrocos Vivaldi y Couperin. Al hacerlo, Coppola le dio a su audiencia algo con lo que relacionarse y una banda sonora que encaja con el espíritu adolescente rebelde de María Antonieta. El uso de “I Want Candy” de Bow Wow Wow para la famosa escena de compras (completa con Converse púrpura) hizo una comparación entre el consumismo occidental contemporáneo y la escandalosa decadencia en Versalles en el siglo XVIII.

16. Llámame por tu nombre (2017)

El Llámame por tu nombre banda sonora gana por sus tres canciones de Sufjan Stevens solo. El cantautor estadounidense remezcló su tema de 2010 “Futile Devices” y también escribió dos nuevas canciones específicamente para la película, “Visions of Gideon” y “Mystery of Love”, la última de las cuales fue nominada al Oscar a la Mejor Canción Original. El director Luca Guadagnino trabajó con el editor de cine Walter Fasano y el supervisor musical Robin Urdang, y todos entendieron que la música jugaría un “papel vital” en la película. Guadagnino quería que la música le diera a la película una “identidad precisa” que actuaría como una “voz” en la película, dijo. Cartelera. “Fue entonces cuando pensé en Sufjan Stevens”. Otros temas, como el optimista “Love My Way” de The Psychedelic Furs, capturaron la naturaleza melancólica y embriagadora de los calurosos e interminables veranos en Italia.

15. Directamente fuera de Compton (2015)

Una película biográfica sobre el ascenso y la caída del colectivo de gangsta rap NWA siempre iba a ser buena, especialmente si sus antiguos miembros estaban involucrados en su producción. Aun así, el minucioso cuidado con el que se grabó la banda sonora de Directamente de Compton se reunió es impresionante y proporciona un telón de fondo para una historia de origen sobre algunos de los artistas más influyentes e importantes de los años ochenta y noventa.

14. 500 días de verano (2009)

Esta comedia romántica poco convencional ha desarrollado un estatus de culto a lo largo de los años y se destacó en ese momento por su versión original del género “chico conoce a chica”. La música es lo primero que atrajo a los personajes Summer (Zoe Deschanel) y Tom (Joseph Gordon Levitt) juntos (comienzan a hablar después de que Summer escucha a The Smiths tocando en el reproductor de MP3 de Tom). Cada canción refleja los diversos altibajos por los que pasan los personajes, ayudados por la experiencia del director Marc Webb en la creación de videos musicales para artistas pop independientes. La canción “Hero” de Regina Spektor es el telón de fondo perfecto para la escena en la que Tom se da cuenta de que sus esperanzas de volver con Summer son inútiles. La pista se cierra con la letra “nadie lo tiene todo”, una forma muy literal de señalar que no todos obtienen el final de cuento de hadas que esperan.

13. Conductor de bebé (2017)

Una verdadera mezcla heterogénea para cualquier nerd de la música que se precie: Conductor de bebé es un brillante ejemplo de la banda sonora perfecta para una película. Ansel Elgort interpreta a “Baby”, un hábil conductor de escapadas que depende de un flujo constante de música para contrarrestar los efectos del tinnitus. Hay cortes antiguos de The Beach Boys, Beck y Barry White, y gemas del rock de los setenta de Queen y Pendiente dorado. Sin embargo, es “Bellbottoms” del álbum Jon Spencer Blues Explosion. naranja que inicialmente inspiró la película. Edgar Wright, que entonces tenía 21 años, estaba sentado en su habitación, “completamente arruinado”, cuando comenzó a visualizar una persecución en automóvil al ritmo de las canciones de ese álbum. “Era casi como lo más parecido a tener sinestesia de película de acción, [where] Escucharía esa canción e imaginaría esta persecución de autos”. él dijo.

12. Grafiti americano (1973)

George Lucas logró amplificar el ambiente ya nostálgico de su película “verano del 62” eligiendo canciones de mediados y finales de los años cincuenta como las pistas principales de la banda sonora de American Graffiti. Las canciones de Buddy Holly y Chuck Berry a The Beach Boys son presentadas por el legendario disc jockey Wolfman Jack.

11. 10 cosas que odio de ti

Si bonita en rosa capturó la angustia adolescente en los años ochenta, 10 cosas que odio sobre ti lo logró durante la década siguiente. A diferencia de muchas películas de los años noventa, que intentaron sacar provecho de las principales estrellas de rock de la época, 10 cosas logró seleccionar lo que es esencialmente una lista de flash-in-the-pans, desde Letters to Cleo y Semisonic to Save Ferris. Por supuesto, había mucha música de Riot Grrl para agravar la naturaleza tempestuosa de Kat (Julia Stiles). Cuando ves la película hoy, solo sirve para alimentar ese sentimiento de nostalgia y aumentar su estatus de culto en constante crecimiento.

10. Haz lo correcto (1989)

La obra maestra de Spike Lee basada en Brooklyn está ambientada en una impresionante partitura de jazz dirigida y compuesta por su padre, Bill Lee. También está marcado por jams de verano y baladas maravillosas, junto con la urgencia de “Fight the Power” de Public Enemy, que se reproduce desde el boombox de Radio Raheem.

9. Edén (2014)

El personaje de la cineasta francesa Mia Hansen-Love, Paul (Felix de Givry), se basa en las experiencias de su hermano Sven, un DJ relativamente popular que tuvo que observar cómo sus compañeros, incluido Daft Punk, alcanzaron la fama mundial al ser pioneros en la escena EDM temprana. Su banda sonora ofrece una mirada integral a la música house, jungle y garage que fue el elemento vital de la cultura juvenil parisina en los años noventa, pero también está cuidadosamente seleccionada para adaptarse a la situación de los personajes de la película. “Veridis Quo” de Daft Punk señala un cambio de humor en una cena de celebración, mientras que “Happy Song” de Charles Dockins transmite la euforia de Paul mientras su héroe Tony Humphries trabaja en un club de Nueva York.

8. El graduado (1968)

Un ejemplo temprano de una película que llegó a definirse por su música. La música de Simon & Garfunkel encajaba perfectamente cuando se trataba de música que destacaría los sentimientos de aislamiento del personaje de Dustin Hoffman, en particular cada vez que se usaba “The Sounds of Silence”.

7. Súper mosca (1972)

El tercer álbum de estudio de Curtis Mayfield fue lanzado como la banda sonora de la película Blaxploitation del mismo nombre. Fue innovador por sus temas de pobreza y abuso de drogas que hicieron que el disco se destacara entre la música con menos conciencia social de su época. Continuaría influenciando a todos, desde compositores de partituras de televisión hasta cantantes de soul en las décadas siguientes.

6. Guardianes de la Galaxia (2014)

¿Cómo haces que una película con extraterrestres, un árbol parlante y un árbol antropomórfico se sienta creíble? Esta es la pregunta que se hizo el director James Gunn durante la producción de Guardianes de la Galaxia, antes de decidirse por un mixtape de clásicos de los años sesenta y setenta, muchos de los cuales se reproducirían en el Walkman del personaje principal. Podría decirse que el mejor momento es justo al comienzo de la película, donde Quill [Chris Pratt] baila a través de un templo desierto en un planeta postapocalíptico al ritmo de “Come and Get Your Love” de Redbone, usando un lagarto muy enojado como si fuera un cepillo para sincronizar los labios frente al espejo. “La música y las cosas de la Tierra son una de esas piedras de toque que tenemos que recordarnos que, sí, Quill es una persona real del planeta Tierra que es como tú y como yo”, explicó Gunn. “Excepto que está en esta gran aventura en el espacio exterior”.

5. Avistamiento de trenes (1996)

La banda sonora de la adaptación de Danny Boyle de la novela de Irvine Welsh fue tan popular que promovió el lanzamiento de una segunda banda sonora un año después, en 1997. Después de dos décadas, todavía se mantiene como una de las colecciones de canciones más grandes y cuidadosamente curadas de la música. historia. El uso de “Lust for Life” en la escena de apertura desencadenó una especie de renacimiento en la carrera de Iggy Pop. Hay una sobredosis romántica ambientada en “Perfect Day” de Lou Reed, y Heaven 17 pone en la banda sonora una escena de club con “Temptation”. Una escena del baño particularmente repugnante está ambientada en “Deep Blue Day” de Brian Eno y “Carmen Suite No 2” del compositor francés Georges Bizet.

4. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino no encargó una banda sonora tradicional para la que podría decirse que es su película más adorada, 1994. Pulp Fiction. IEn cambio, mezcló la música surf estadounidense y el rock and roll clásico, incluida la icónica escena inicial “Misirlou” del difunto Dick Dale. La pista le fue sugerida a Tarantino por el músico Boyd Rice a través de su amiga en común Allison Anders. La banda sonora tuvo tal impacto, alcanzando el número 21 en el Billboard 200 y vendiendo más de dos millones de unidades en 1996, que se le atribuyó el “revitalizar” el surf rock y desatar una tendencia entre los anunciantes para usarlo en sus comerciales, “para ayudar a venden de todo, desde burritos hasta pasta de dientes”. La canción de Chuck Berry “You Never Can Tell”, también conocida como “C’est la Vie”, también disfrutó de un resurgimiento en popularidad gracias a su uso en la famosa escena dance con Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent Vega (John Travolta) .

3. Casi famosos (2000)

Ni Cameron Crowe ni su coordinador musical, Danny Bramson, querían complacer las listas de éxitos con esta historia basada en los años del director como periodista de rock adolescente. En todo caso, el dúo evitó pistas que parecían ser posibles favoritas de la radio, eligiendo canciones menos conocidas como “Sparks” del álbum Tommy de The Who como tema para el alter ego de Crowe, William Miller. La música es esencialmente un personaje completamente diferente: un narrador que ofrece comentarios continuos sobre los escenarios en los que se encuentran los demás. Y hay pocas escenas más edificantes que la de Casi famosos donde, después de haber recuperado al guitarrista Russell Hammond (Billy Crudup) de un Una fiesta alimentada por las drogas y el alcohol, la banda ficticia Stillwater y su equipo comienzan a cantar al son de “Tiny Dancer” de Elton John.

2. Lluvia púrpura (1984)

El debut como actor de Prince resultó en producir algo de su mejor música. El concepto de la trama, sobre un líder talentoso pero torturado de una banda enMinneapolis, fue desarrollado por Prince durante su gira de 1999. Lluvia púrpura fue una de las 10 películas más taquilleras de 1984 y muestra a Prince como su yo más escandaloso.

1. Matar a Bill vol. 1 (2003)

RZA de Wu-Tang Clan trabajó con el director Quentin Tarantino en la colección de música que acompañaría al personaje de Uma Thurman, La novia, en su sangrienta búsqueda de venganza. Lo que es particularmente brillante es la alternancia entre el sonido no diegético y el silencio que precede (y se mantiene durante) algunas de las secuencias de acción más tensas. Cuando se trata de la batalla más crucial entre O-Ren Ishii y The Bride al final de la película, primero eligieron la introducción disco flamenca del arreglo latino de Santa Esmeralda de “Don’t Let Me Be Misunderstood”. En la sangrienta conclusión, donde cae O-Ren, RZA y Tarantino usaron “The Flower of Carnage” de Meiko Kaji, cuya letra podría haber sido escrita especialmente para The Bride. La canción se usó por primera vez en la película de artes marciales de 1973 Lady Snowblood, en la que protagonizó Kaji. Canta: “Soy una mujer que anda al borde de la vida y la muerte/ Que vació mis lágrimas hace muchas lunas” y luego: “He sumergido mi cuerpo en el río de la venganza”.

Este artículo fue publicado originalmente en 2019