Reseña del festival End of the Road 2022: El festival más imaginativo y exploratorio del verano

End Of The Road es un festival que cumple sus promesas. Esta fiesta de la izquierda culta, en la que se celebran torneos de croquet en los claros del bosque y los pavos reales se pasean por los recortados céspedes de los Larmer Tree Gardens de Dorset, sin que les moleste el folk experimental, el rock, el rap y las tonterías electrónicas que flotan por el recinto, lleva prometiendo un fin de semana encabezado por los gigantes del indie Pixies y Bright Eyes desde 2020. Covid echó por tierra ese evento, y los problemas de viajes post-pandémicos obligaron a que el cartel de 2021 estuviera más basado en el Reino Unido. Pero este año, el EOTR pone por fin su música donde está su boca, con muchas más curvas lanzadas para mantener a esta multitud de exigentes fans de la música alternativa agradablemente desequilibrada.

El cartel de apertura del jueves por la noche es un ejemplo de lo que se puede hacer. En el escenario principal del Woods, Sudan Archives, de Los Ángeles, se propone inventar el jig-hop, intercalando raps psicosexuales de ambiente (termina “NBPQ”, por ejemplo, rodando de espaldas y gritando “¡Sólo quiero que me salgan las tetas!”) con fragmentos arruinados de folk irlandés tocados con el violín que blande durante todo el concierto. Incluso cuando da palmadas en el trasero de compañeros sexuales imaginarios.

A continuación, aparece el trío texano de salón de la era espacial Khruangbin, que se desliza en rutas sincronizadas por el escenario como modelos de un reloj mecánico futurista. Su idea de jazz-funk cósmico pronto se desvanece, pero las cosas mejoran cuando se embarcan en su primer tema real a la media hora: el guitarrista Mark Speer y la bajista Laura Lee hacen un dúo al estilo de Tame Impala tocando en un bar de cócteles en Uncanny Valley. Sin embargo, el público sólo se agita realmente cuando se sumergen en un collage de riffs de guitarra reconocibles que incluyen “True” de Spandau Ballet, “What’s Love Got to Do With It” de Tina Turner y “Miserlou” de Dick Dale, como una gramola de club de jazz enloquecida.

El viernes, en el idílico entorno del Garden Stage (que suele albergar a brillantes artistas de alt-folk como Anais Mitchell y Yasmin Williams), Black Midi van más allá en las apuestas de mash-up, sonando como alguien que reproduce todo Spotify simultáneamente en el espacio de 80 minutos. El jazz punk, el thrash rock, el afrobeat proggy, el flamenco y la balada al piano de Elton John son sólo algunos de los géneros que los experimentalistas londinenses lanzan al público en una lista de canciones basada en gran medida en su tercer álbum, una “película de acción épica”, Hellfire. Probablemente es como suena un aneurisma cerebral, pero al menos las mentes más frágiles pueden retirarse al escenario Woods, donde Fleet Foxes y su mini-orquesta de gira The Westerlies se demuestran, una vez más, como la última región glacial fiable de la tierra.

El sábado, los propios dioses del indie descienden, dando lugar a un choque de titanes en la programación que es, con mucho, lo más frustrante de la vida de este escritor como asistente al festival: posiblemente los dos mejores actos en directo del planeta tocan uno frente al otro. Mientras los modestos pero fenomenales Magnetic Fields conjuran la majestuosidad del pop de cámara en el Garden Stage con una lista de canciones que, melódicamente hablando, se encuentra entre las mejores tocadas en nuestra vida, Pixies llegan al Woods Stage con una intensidad inigualable. “Gouge Away” -su versión silenciosa y ruidosa del mito de Sansón- da paso a “Wave of Mutilation”, “Debaser” y al sublime clásico de la crisis climática “Monkey Gone to Heaven” en los primeros minutos, con el público aullando cada palabra junto al licántropo en jefe Black Francis.

Después de haber hecho sonar una buena parte de su disco seminal Doolittle y muchas más fichas de la base indie además, se soltaron y se permitieron una inmersión profunda en el territorio del folk oscuro del próximo álbum Doggerel. “Vault of Heaven” es un malvado rock tex-mex sobre los peligros de mezclar medicamentos recetados y alcohol; “There’s a Moon On” un lujurioso tributo a los efectos del pulso del ciclo lunar. Cuando llega “La La Love You”, una canción de surf desechable interpretada por el batería David Lovering, es evidente que están disfrutando, deleitándose con los silbidos de la canción y las insinuaciones de instituto, e incluso el bajista Paz Lenchantin rompe a bailar. Temas legendarios como “Where is My Mind?” y “Here Comes Your Man” son las grandes canciones del festival, pero arrodillado ante su monitor -intentando sacar todo el feedback posible de su guitarra acústica durante su enérgica versión de “Winterlong” de Neil Young- es donde Francis parece estar más en su elemento.

El underground británico se mantiene gracias a los melodramas electrónicos de Perfume Genius, el post-punk febril de Porridge Radio y el rave Dalek de Scalping de Bristol. Pero la idiosincrasia estadounidenseEl poeta-rockero tiene probablemente el fin de semana más fuerte. Kurt Vile and the Violators proporcionan un country destartalado y el otrora somnoliento viajero indie Kevin Morby se ha transformado en un showman de funk rock con una chaqueta de vaquero dorada, como un Hank Williams de Las Vegas.

El rey de la escena, por supuesto, es Conor Oberst, de Bright Eyes, que está en una forma particularmente impredecible durante su actuación del domingo por la noche. Oberst es un intérprete generalmente apasionado, pero probablemente es justo decir que podría haber tomado una o dos copas, lo que hace que sus crudas y angustiosas canciones -ya sean de pompa punk, country rastrero o folk furioso- sean aún más ásperas. Oberst se equivoca en las letras, tropieza con los cables, se pierde en discursos incoherentes sobre que nunca será tan grande como Taylor Swift y tiene un corazón de mejor amigo con un lobo de peluche. Pero cada vez que una canción arranca, él está instintivamente dentro de ella, abriendo sus heridas.

Durante “Dance and Sing”, el épico baile lento del álbum de reunión de 2020 Down in the Weeds, Where the World Once Wasse retuerce y da vueltas como un Michael Stipe revestido de trinchera, desenchufando accidentalmente su micrófono pero despotricando a pesar de ello. “Old Soul Song (for the New World Order)”, escrita después de las protestas por la guerra de Irak de 2003, es el sonido del slide country aullando al cielo, “Persona Non Grata” el de un funeral de ragtime de Nueva Orleans que se sale de madre. El estado de lentitud de Oberst añade incluso fragilidad a momentos como “Poison Oak”, canciones solistas lastimeras y poéticas que se convierten en cataclismos emocionales. “Son tristes, sarcásticas y una mierda”, dice de sus propias canciones antes de una última y unificadora “One for You, One for Me”, que cierra, típicamente para EOTR, el festival más imaginativo y exploratorio del verano. Se olvidó de lo “abrumador”.