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Black Country, New Road – Hormigas de allá arriba
El segundo álbum de Black Country, New Road marca ya el final de una era de ruptura para los post-rockeros experimentales. En la semana de Ants From Up There’El líder Isaac Wood anunció su salida de la banda, alegando problemas de salud mental. Puede que sean las texturas de los siete miembros, que incluyen ejercicios de free jazz, math rock y toques de klezmer, las que aportaron amplitud, brillo y energía al álbum de debut del año pasado, que se encuentra en el Top 5. Por primera vez. Pero fueron las temblorosas voces de Wood (en parte David Byrne, en parte Orlando Weeks, en parte el barítono Jarvis Cocker) y las letras impresionistas salpicadas de referencias a la cultura pop -Kanye West, los dramas criminales daneses, los Fonz- las que aportaron su filo al sur de Londres.
Si el debut fue objeto de culto, el canto de cisne de Wood es una explosión abierta a todos los interesados. Los elegantes e inconexos motivos barrocos todavía se elaboran durante minutos, reuniendo magníficas volteretas de piano, flauta, violín, guitarra, percusión y saxofón de club de jazz mientras Wood trina lúgubremente sobre la muerte, el aislamiento tecnológico, las chicas con “estilo Billie Eilish” y la dieta Atkins. Pero ahora, abrazando la accesibilidad, florecen en gloriosos contoneos carnavalescos (“The Place Where He Inserted the Blade”), valses alt-folk (“Concorde”) y melodías glam con estribillos que podrían provocar órdenes de cese de The Killers (“Chaos Space Marine”). Los compases siguen cambiando y girando como mareas inconstantes, pero aquí no se limitan a desprenderse de la melodía, sino que persiguen la siguiente.
Con crescendos de rock grunge que acompañan a imágenes de naves en llamas en “Good Will Hunting”, y arias gargantuescas en “Basketball Shoes”, de 12 minutos de duración, la pura gracia y ambición de Ants… será difícil de superar en 2022. Un gran salto adelante, de cabeza a lo desconocido. MB
Bastilla – Give Me the Future
“El futuro está condenado” es la máxima con la que opera cada vez más el arte. La música, la pintura, la literatura… todas predicen cosas malas. Pero en el cuarto trabajo de Bastille, un disco de pop resplandeciente, el siempre fiable cuarteto prácticamente ruega por el futuro. Give Me the Future ofrece un raro momento de optimismo para lo que está por venir.
Un comienzo ambiental establece eficazmente el escenario de un álbum tecnológico. Las referencias líricas a la “inteligencia artificial”, al “porno virtual”, a los “cohetes a Marte” y a los “coches sin conductor” resultan a veces un poco exageradas, pero dan a la inmensidad cinematográfica del disco algo sólido a lo que aferrarse. Hay una tentadora sensación de negación que subyace Give Me the Future. “No me despiertes”, canta el líder Dan Smith en “Distorted Light Beam”. “Dime que estaremos bien”, suplica en “Plug In…”, uno de los temas más lúgubres del álbum. El actor británico Riz Ahmed expresa el sentimiento de forma más concisa en un interludio de palabras habladas: “El mundo se está quemando, pero a la mierda”. En Give Me the Future, la negación funciona como esperanza. No es condenatoria ni estática. Por el contrario, revolotea a lo largo de las 13 pistas del álbum, sacudiéndose desafiantemente de cualquier cinismo invasor.
El disco en sí funciona como una cápsula de escape. Cuando se confina dentro de los pegadizos ganchos de Bastille y la imaginativa producción que abarca toda la época, lo que se avecina de repente no es tan terrible. El futuro es brillante – para 30 minutos de bops, al menos. AN
Cate Le Bon – Pompeya
Cate Le Bon’s Pompeya se abre con un ominoso estruendo de bajos y lúgubres soplos de metales. Debajo hay un ritmo constante, un thwock contra el metal. El tiempo se agota. El caos se acerca. Sin embargo, el sexto álbum de la artista galesa nunca da rienda suelta a ese caos; lo frena, lucha con él y, al hacerlo, exacerba su sensación de malestar.
Escrito en completo aislamiento en Cardiff, Pompeya demuestra el talento de Le Bon para lo surrealista, al tiempo que explora temas cercanos: la culpa religiosa, la familia, la muerte. Sin duda, es menos alegre que su boyante y desenfadado álbum de 2019, Reward. Sin embargo, el divergente tema de apertura de ese disco, “Miami”, puede verse ahora como una especie de precursor, de algo que claramente ha estado en el fondo de la mente de Le Bon durante algún tiempo. “Pero no puedo poner el dedo en la llaga”, canta ahora, en”Moderación”. “Quiero llorar, estoy fuera de mis cabales/ Tratando de entenderlo”.
El hecho de que Le Bon se vista de monja en el vídeo musical de la canción que da título al disco, y la referencia al “hábito” en “Moderation”, parecen una exploración tanto de sus propias limitaciones de la infancia como de las restricciones emocionales impuestas a las mujeres, que se experimentan más ampliamente. Quería grabar este álbum en su nuevo hogar, entre los extensos desiertos y los vastos cielos de Joshua Tree (California), pero en su lugar se encontró atrapada en el dormitorio de su infancia. “Es mi almohada y mi plato/ Para no preocuparme más”, murmura en “Running Away”, atravesando un pantano de metales deudores de Bowie.
Hay más descaro de la época de “Starman” en “Remembering Me”, en la que Le Bon considera su legado frente a la “reescritura clásica” de lo que podría haber sido. Es fascinante que su álbum llegue al mismo tiempo que el de su colega de vanguardia Animal Collective: ambos están absortos en la lucha inútil de la humanidad frente a lo inevitable, junto con las historias individuales que dejamos atrás. “Me he doblado como una rueda”, canta en la última canción, como si dijera que incluso nuestros mejores inventos acaban por romperse. ROC
Animal Collective – Time Skiffs
Volvemos al desierto. Mientras la sociedad intenta encontrar su equilibrio tras el cierre, los Animal Collective de Baltimore observan la extraña elasticidad del tiempo en su primer disco en seis años. “Los minutos no pueden decidirse/ Cuánto tiempo les gustaría durar”, canta el cantante Panda Bear (Noah Lennox) en “Car Keys”, sobre notas de xilófono que se retuercen, retorcimientos de teclado y percusión skewwhiff. La respuesta, como la música, parece escapársele.
Las influencias de los Beach Boys del grupo dan lugar a armonías trascendentes y de sonido celestial en “Walker”, un juguetón homenaje a la sensación del pop adolescente británico-estadounidense convertido en artista de vanguardia Scott Walker. La letra tiene un toque de nihilismo. “Estoy lista para el despegue/ Sólo he estado de pie”, canta Lennox, y más tarde: “Aprecio que no puedas esperar/ Nos veremos ahí fuera”.
Time Skiffs se ciñe en su mayor parte al sonido de otro mundo y espaciado por el que Animal Collective es conocido desde 2003. Pero ahora que los miembros de la banda tienen más de cuarenta años, hay una nueva sensación de arraigo, como si, ante ciertas inevitabilidades, se sintieran más conectados que nunca con el mundo que les rodea. Lennox observa a la gente en el metro sobre los ritmos de sintetizador en “Cherokee”, mientras que “We Go Back” tiene un tono de pánico: “Siento la necesidad de volver atrás en el tiempo”. La última canción, “Royal and Desire”, se sumerge en una piscina tranquila, ondulada por los tranquilos rasgueos de la guitarra. Es como si la banda se inclinara ante el tiempo, lo que suena como una magnífica forma de irse. ROC
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