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Non 90 años, Venecia es el festival de cine más antiguo del mundo. Fundado en 1932, el certamen sigue celebrándose en la cálida isla del Lido, repleta de playas, y posee una elegancia desvaída que otros certámenes, como Cannes o Berlín, no pueden emular. En los años 30, las controversias solían ser políticas. El premio principal se llamaba Copa Mussolini. Hubo furiosas peleas por películas como la de Jean Renoir La Gran Ilusiónde Jean Renoir, posteriormente prohibida en Italia por ser demasiado izquierdista, y la película de la directora alemana Leni Riefenstahl Olympiade Leni Riefenstahl, que muchos consideraron propaganda nazi.
La edición de 2022 también ha dado mucho que hablar, pero esta vez no tiene que ver con el fascismo. Olivia Wilde Don’t Look Nowde Olivia Wilde, que aterrizó en el Lido a mitad del festival como un peligroso ovni con Harry Styles en su interior, provocó un frenesí mediático gracias a todas las escabrosas informaciones previas sobre rencillas y aventuras durante el rodaje. La película de Wilde no estaba en competición y no está en la carrera por el León de Oro, que se anunció el sábado. Un pretencioso thriller distópico con una trama muy enredada, no habría ganado de todos modos. Ese honor fue para el documental de Laura Poitras Toda la belleza y el derramamiento de sangremientras que el director iraní encarcelado Jafar Panahi ganó el Premio Especial del Jurado por No Bears y el León de Plata fue para la directora francesa Alice Diop por su drama judicial, Saint Omer.
Los documentales no suelen ni siquiera entrar en la competición principal de Venecia y mucho menos ganarla, pero Toda la belleza y el derramamiento de sangre es conmovedor, furioso y muy emocionante. La película explora cómo la artista y fotógrafa Nan Goldin “derribó” a los Sackler, la multimillonaria familia estadounidense que está detrás de OxyContin, la droga altamente adictiva que mató a decenas de miles de personas durante la crisis de los opioides. También analiza la vida de Goldin: el suicidio de su hermana, sus experiencias de adicción y acoso sexual, y el modo intrépido en que se enfrenta a sus propios demonios en su trabajo.
La campaña de Goldin ha llevado a una serie de museos británicos y estadounidenses a cortar sus vínculos con los Sackler. “[But] el director del V&A ha mantenido su lealtad a los Sackler”, me dijo Goldin. El V&A, por tanto, es una de las pocas instituciones culturales importantes que aún no se ha desprendido de su dependencia del dinero de los Sackler ni ha borrado de sus paredes el nombre, ahora tóxico, de la familia.
Toda la belleza y el derramamiento de sangre es a la vez un retrato íntimo de un artista y un documental de campaña con un fuerte impulso polémico. Con su León de Oro a cuestas, Poitras, que ya ha ganado un Oscar, por su documental sobre Edward Snowden, Citizen Four, está obligada a optar a otro. Muchos otros títulos proyectados en los últimos 10 días también podrían haberse llevado el premio principal en lo que fue un programa inusualmente rico, lleno de potenciales aspirantes al Oscar.
La actuación más destacada fue la de Cate Blanchett, cuyo premio a la mejor actriz no sorprendió a nadie. Estuvo imperiosa como directora de ópera en la película de Todd Field Tar. Cuando se trata de interpretar personajes testarudos y emocionalmente vulnerables como Clitemnestra, tiene pocos iguales. La película de Field es muy larga. A veces, cuando vemos a la Lydia Tar de Blanchett, dirigiendo la Filarmónica de Berlín o dando exhaustivas entrevistas en el escenario a New Yorker periodistas, el enfoque parece seco y escolástico. Sin embargo, la película adquiere una carga emocional abrasadora a medida que la vida de Lydia empieza a desmoronarse. Corre el riesgo de ser “cancelada” por los comentarios políticamente insensibles que hace a los estudiantes. Su trato altivo con las jóvenes que trabajan para ella provoca una furiosa reacción.
Más allá de Gena Rowlands como estrella de teatro al borde del colapso en la película de John Cassavetes Noche de estrenode John Cassavetes, es difícil pensar en otros retratos de mujeres artistas bajo presión que alcancen el mismo nivel de intensidad feroz que Blanchett logra aquí. Es una verdadera maestra.
Casi igual de poderosa, pero en un registro muy diferente, fue Penélope Cruz en el drama de madurez del director italiano Emanuele Crialese, L’Immensitaambientado en la Roma de los años setenta. Cruz interpreta a Clara, una esposa y madre de clase media con un marido maltratador. La historia es vista desde el punto de vista de su hija mayor, Andrea, que anhela ser un niño. El personaje de Cruz es también un niño, una mujer juguetona y de espíritu libre.siendo aplastada por un sistema patriarcal. Como en sus melodramas con Pedro Almodóvar, Cruz conserva su glamour a pesar de los golpes que recibe. La película en sí es dispersa y desigual, pero su estrella española es tan magnética como siempre.
Tilda Swinton también impresiona en su papel de protagonista femenina en esta historia de fantasmas y psicodramas familiares de Joanna Hogg, La hija eterna. Swinton interpreta dos papeles: una artista/cineasta y su anciana madre. Juntas, van a alojarse en una casa de campo al estilo de Fawlty Towers que, muchos años antes, fue la casa de la infancia de la madre. Hogg utiliza todos los tropos conocidos de las casas encantadas: niebla, viento, puertas que crujen, rostros que se ven fugazmente en las ventanas. La trama es un poco artificiosa, con un fuerte olor a M Night Shyamalan. El sexto sentido o de Alejandro Amenabar Los Otros. Aun así, La Hija Eterna sigue siendo un asunto muy conmovedor. Swinton destaca en su doble papel. Como mujer mayor, se parece desconcertantemente a la madre pianista interpretada por Ingrid Bergman en Sonata de otoño – y, al igual que Bergman, aporta un enorme patetismo al papel.
El festival se inauguró con la adaptación de Don DeLillo realizada por Noah Baumbach, White Noise. Fue subversiva, oscura y divertida. Cuenta con la que posiblemente sea la mejor interpretación de Adam Driver en la pantalla, en el papel de Jack Gladney, el brillante profesor especializado en estudios sobre Hitler en una pequeña universidad estadounidense. Jack se enfrenta a una serie de acontecimientos cada vez más apocalípticos. Driver lo interpreta de forma maravillosamente relajada, afrontando cada nueva catástrofe con un encogimiento de hombros casual.
Driver engordó un poco para interpretar el papel, pero nada parecido a las capas de grasa que cubren a Brendan Fraser en La ballena, la pieza de cámara de Darren Aronofsky sobre un hombre enfermo y con obesidad mórbida atrapado en su apartamento, tratando de expiar la culpa que siente por el trato que da a sus allegados. La premisa puede no sonar atractiva, pero resultó ser una efectiva película lacrimógena.
Hubo algunos fallos. Florian Zeller El hijo resultaba extrañamente impasible a pesar de su temática. Es la historia de un adolescente con problemas, Nicholas (Zen McGrath), que se acerca cada vez más a la desesperación y al suicidio. Su padre, un prominente abogado (Hugh Jackman), está casado con su segunda esposa (Vanessa Kirby) y tiene un hijo con ella. Sin embargo, Nicholas nunca le ha perdonado que dejara a su primera esposa, Kate (Laura Dern). Ha empezado a autolesionarse y lleva meses haciendo novillos en el colegio. Sus padres no pueden protegerle mientras se desliza inexorablemente hacia el abismo. Muchos padres y adolescentes se sentirán identificados con la historia, pero Zeller cuenta su sombría historia de una forma tan esquemática y predecible que su golpe emocional es muy débil.
El director mexicano Alejandro González Inarritu Bardo es un intento de hacer un retrato profundamente personal del artista en la línea de la película de Federico Fellini 8 1/2 o las películas autobiográficas de Paolo Sorrentino. Formalmente, es un tour de force, lleno de elaborados travelling como los que Iñárritu utilizó en Birdman. Aunque rebosa de vuelos mágicos realistas, también es terriblemente autoindulgente: una epopeya incoherente de tres horas sobre un documentalista mexicano (Daniel Giménez Cacho) que vive una vida incongruentemente lujosa. Dolce Vita-y cuya única obsesión real es él mismo.
La mayoría de las películas británicas fueron bien recibidas. Bill Nighy recibió una gran ovación por su interpretación del hombre de negocios parecido a Mr. Benn en el Londres de los años 50 que descubre que sólo le quedan seis meses de vida en la película de Oliver Hermanus Vivir. El público italiano a veces se siente desconcertado por la contención emocional británica, pero le encantó la forma maravillosamente peculiar y autocomplaciente en que Nighy interpreta al Sr. Williams, tratando de sacar algo de alegría y plenitud de sus últimas semanas de vida. La película se proyectaba fuera de concurso, ya que se había presentado en Sundance. (Su guionista, el novelista Kazuo Ishiguro, formó parte del jurado del festival).
El público de Venecia también disfrutó de la ópera prima de Georgia Oakley Blue Jeanambientada en el noreste de Inglaterra durante la década de 1980 (los oscuros días de Margaret Thatcher y la Sección 28) y que trata de las tribulaciones de una profesora de educación física lesbiana (la sorprendente Rosy McEwen, que se parece a Jean Seberg). Extrañamente, ésta fue una de las varias películas en Venecia que incluía música de Joy Division o de New Order. Luca Guadagnino utilizó eficazmente la primera en su road movie caníbal, Bones and All, una sangrientapero exquisitamente realizado y muy romántico protagonizado por Timothee Chalamet y Taylor Russell (que ganó el premio al mejor actor joven) como los amantes con apetito de carne cruda.
Guadagnino, que recogió el premio al mejor director, salió de Venecia con su reputación aún más reforzada. También lo hizo Martin McDonagh gracias a su magnífica nueva tragicomedia, Las Banshees de Inisherin (que ganó el premio al mejor guión). Ambientada en una isla remota durante la guerra civil irlandesa de los años 20, la película reúne a Colin Farrell y Brendan Gleeson, que también aparecieron juntos como la extraña pareja en la película de McDonagh En Brujas y podrían convertirse en la respuesta del cine irlandés a Jack Lemmon y Walter Matthau. Interpretan a los vecinos y antiguos mejores amigos, Padraic y Colm. Ahora, Colm ha decidido que no le gusta Padraic. Ambos actores están magníficos (Farrell ganó el premio al mejor actor) en una película que consigue ser mordazmente divertida a la vez que plantea sutiles puntos de vista sobre todo, desde la naturaleza de la amistad masculina hasta las causas de los conflictos políticos.
Fuera de la competición principal, también hubo algunas joyas. El poético y devastador documental del director israelí Guy Davidi Inocencia se centra en cómo se obliga a los jóvenes israelíes a realizar el servicio militar a los 18 años, sin tener en cuenta su temperamento o sus creencias. Davidi no utiliza voces en off ni entrevistas. En su lugar, se basa en gran medida en los diarios y en las secuencias de vídeo de algunos de los jóvenes reclutas que no sobrevivieron a la prueba.
A diferencia de Cannes, que sigue considerando a Netflix y Amazon como una amenaza mortal para el futuro del cine, Venecia no tiene reparos en mostrar nuevas películas financiadas por los streamers. Esto significa que recibe películas como White Noise y el polarizante biopic de Marilyn Monroe de Andrew Dominik Blonde cuya protagonista, Ana De Armas, lloró tras recibir una ovación de 14 minutos en el estreno. Mientras otros festivales se hundían por la pandemia, Venecia seguía navegando alegremente. Sus ediciones de 2020 y 2021 continuaron casi con normalidad, como eventos físicos, aunque con menos visitantes. Este año, el Lido volvió a estar lleno a rebosar. Hay aspectos del festival que molestan. Los organizadores están tan obsesionados con el glamour de la alfombra roja que uno sospecha que a veces invitan a las películas más por su potencia de estrella que por sus logros estéticos. Aun así, si se quiere ver por primera vez a los posibles ganadores de los Oscar del próximo mes de marzo, Venecia sigue siendo el lugar al que acudir.
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